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samedi 19 mai 2012
vendredi 18 mai 2012
[note de lecture] Revue "L'Assaut", n° 1", par Alain Helissen
Quel thème plus approprié que celui de « naissance(s) » pour le numéro inaugural de L’assaut, né à Pau à l’enseigne des éditions A.T.I. (L’assaut du théâtre imaginaire) ? Le bébé a bonne mine, pèse 92 grammes et se présente dans un format tout en hauteur (16 cm x 27 cm). Bravo à Daniel Afonso pour la conception graphique, jouant de liserés rouges du meilleur effet. L’assaut ose aussi la couleur pour des travaux plastiques, puisque cette revue, bien que sous-titrée « Poésie nouvelle passée en revue », s’ouvre également à des créations visuelles. C’est sur le mode de « l’appel à contribution » que cette nouvelle venue sélectionne les textes et « illustrations ». Cela témoigne d’un réel esprit d’ouverture. Ainsi sont-ils trente-six à figurer au sommaire, les trois quarts d’entre eux m’étant inconnus − on pourra regretter quelques notes bio-bibliographiques les présentant −. La qualité des textes apparaît inégale mais on découvrira avec intérêt l’écriture « primale » de Frédérique Soumagne, celle télescopée de Thomas Dejeammes, le poème d’Amandine Monin dont certains vers s’étirent jusqu’à occuper la page en vis-à-vis. Parmi les poètes plus « connus », mentionnons Didier Bourda dont le texte s’étale en gros caractères sur les deux pages centrales dans une longue énumération ponctuée de « nous ». C’est l’occasion d’apercevoir un fil de coton rouge cousu machine, à la façon de la revue Ficelle, qui relie la publication. L’assaut fait ainsi une entrée remarquée dans le monde fluctuant des revues poétiques. L’association A.T.I. ne se contente pas d’éditer ce semestriel mais envisage de « promouvoir la nouvelle poésie » sous d’autres formes (édition de livres, ateliers, spectacles vivants…). Une initiative à soutenir. Pour en savoir plus, rendez-vous sur le site : www.atieditions.com
[Alain Helissen]
L’assaut, n°1 ; 60 pages ; 8€. contact@atieditions.com
jeudi 17 mai 2012
[note de lecture] "Dédicaces poèmes, vers Henri Meschonnic" de Serge Martin-Ritman, par Alexis Pelletier
Singulière tentative, cet ouvrage et dans tentative, on peut entendre au sens premier le mot essai qui convient pour désigner une part de cette écriture qui pense vers Henri Meschonnic.
Dédicaces poèmes, le titre fait entendre un des livres majeurs de Meschonnic, Dédicaces proverbes qui, d’une certaine manière, a placé son écriture dans la durée, l’aspect durable de l’expérience que l’écriture poétique inscrit. C’est dans le prolongement de cette résonance que tout Dédicaces poèmes est écrit, dans une écriture qui gravite autour d’un centre difficile à nommer. Il semble même toujours devoir échapper aussi bien au lecteur qu’à l’écrivain. Il se trouve, d’une certaine manière, au point de rencontre entre l’intensité du geste d’écrire, le refus de limiter le langage à une inscription réaliste et l’affirmation toujours renouvelée du corps présent dans la joie de l’altérité. Au sens fort, Dédicaces poèmes est un livre qui assume les mélanges sans jamais céder au lieu commun d’une culture multiple qui tiendrait de la communication plus que du poème. Ainsi, les sept parties de l’ouvrage peuvent se lire comme autant de moyen de pénétrer dans l’œuvre de Meschonnic qui encore et toujours se prolonge.
Il y a tout d’abord, « Henri Meschonnic, dédicaces poèmes ». C’est une sorte de mode d’emploi du poème qui prend au pied de la lettre la volonté de faire de l’écriture un acte transitif. L’auteur dit même qu’il s’agit « d’écrire Meschonnic. »
Puis, « Henri Meschonnic, poète libre » commence à explorer la structure binaire, si ce n’est paradoxale, de la poétique de Meschonnic qui s’appuie avec la même intensité sur la douceur et la brûlure. Cette partie souligne l’inscription lyrique d’une écriture qui est toujours un discours amoureux visant à faire surgir l’extraordinaire dans l’ordinaire.
Avec « Henri Meschonnic, la voix le rire », c’est le tissu qui permet d’associer dans le même geste lecture, écriture et pensée qui est mis en avant.
« Henri Meschonnic, Jona, le goût du rythme » interroge le discours sur la traduction ou plus exactement le parcours de la traduction et montre comment celui-ci donne forme à la relation poétique.
« Henri Meschonnic, sept d’un coup » est un titre qui fait signe vers l’univers du conte tout en concentrant les points essentiels de la poétique (poéthique) mise en avant depuis le début de l’ouvrage : rime, rythme, lecture, voix, forme. Tels sont d’une certaine manière les pôles qui par l’écriture guident vers l’autre.
« Henri Meschonnic, questions à des réponses » entame le geste final du livre qui consiste en orientant l’écriture non pas vers un geste de mémoire mais vers un accueil du futur qui n’est jamais célébration ni estime mais union qui ouvre au poème.
Et ce dernier est écrit dans l’ultime partie du livre « Henri Meschonnic, toujours en cours ». C’est ici la plus grande singularité du livre qui est de risquer l’essai dans le poème et le poème dans l’essai. L’auteur lui-même signe d’ailleurs le livre avec un nom qui unit, pour la première fois à ma connaissance, son nom d’essayiste et son pseudonyme de poète. Le livre est de Serge Martin-Ritman, essayiste-poète en et par Meschonnic !
Il faut enfin mentionner une autre singularité du livre. (Et peut-être eussé-je dû commencer par dire cela ? Mais Meschonnic comme Serge Martin-Ritman, savent qu’à l’image de Guillaume de Machaut, « Ma fin est mon commencement. ») Chaque partie est ponctuée de la reproduction d’une ou deux dédicaces de Meschonnic à l’essayiste poète et à sa compagne : une manière d’inscrire en acte, le fait que « les dédicaces font poème-relation ».
[Alexis Pelletier]
Serge Martin-Ritman, Dédicaces poèmes, Vers Henri Meschonnic, L’Atelier du Grand Tétras, « Résonance générale - Essai pour la poétique, 4, 2012, 152 pages, 16€
mercredi 16 mai 2012
[note de lecture] "manque" de Dominique Fourcade, par Claude Pérez
Sous ce titre: manque, sans majuscule, le dernier livre de Dominique Fourcade réunit treize textes, de taille et de longueur diverses, qui sont tous, ou presque, des textes de deuil. Il n'est de poème que de circonstance, disait Goethe ; ces treize élégies (qui sont aussi hommage, préface, discours, essai, lecture…) n'échappent pas à la règle, mais cela ne signifie pas que leur réunion ici serait seulement d’occasion. Même s'il n'y a pas de programme, bien sûr, même si le livre est rompu, discontinu, mosaïque plutôt qu’organisme, il est un livre, « il y a livre », et ce livre a sa langue, son souffle, ses modulations, son caractère, sa vertu propre.
Si cette cohérence n'était que thématique, ce serait une pauvre cohérence, une cohérence de surface (d’écorce, comme dirait Saint-Simon). Et d’ailleurs, autant le dire d'emblée, quand ce ne serait que pour écarter l'idée fausse que risque de se former de manque celui qui vient de lire les lignes ci-dessus, ce livre de deuil n’a rien de funèbre. Pas de livre de deuil moins funèbre. Est-ce parce qu'il y a, avec la détresse, « l'allégresse de la détresse »? Et avec la douleur, « la volupté », dit Fourcade, d’avoir écrit la douleur tout de suite, « sans le moindre délai de décence » ? Ou bien est-ce à cause de la lumière, ou des lumières, dans laquelle ce livre, qu’on pourrait imaginer sombre, presque constamment se tient?
Tout le contraire d'un livre noir. Livre plein de couleurs au contraire: j'ai retenu un jaune de Naples, un « gris miel », un violet sombre, un Magenta, un « bleu citronné » (à la fois chez de Kooning et sur un nuage aperçu dans le hublot d’un vol Paris-New York). Que ce foisonnement de couleurs raffinées, lumineuses, ait à voir avec la longue, la profonde passion de Fourcade pour la peinture (un chapitre ici, vingt pages, sur Simon Hantaï, à l’occasion de son décès) c'est l'évidence. Mais au-delà des évidences, on se prend à rêver qu’il y a eu pour les poètes le temps de la noirceur, et même de la « noirceur noire » (de Baudelaire à Beckett); puis le temps de la blancheur (après Mallarmé?) : peut-on imaginer que Fourcade, dont l'entreprise ne tend à rien d'autre, et à rien de moins, qu'à inventer une poésie non pas anti-mallarméenne, mais post-mallarméenne, c'est-à-dire à trouver une issue hors du mallarméisme interminable de toute une poésie française moderne, peut-on imaginer que Fourcade, après le noir, après le blanc, essaierait ici (comme aussi ailleurs) la couleur, qu’il tenterait quelque chose avec l’aide des couleurs ? Qu'il ferait l'essai d'une poésie qui trouverait dans la couleur non pas uniquement un signe ou une preuve, mais un ressort ou un agent de ce que je vais appeler faute de mieux son actualité.
Faute de mieux. Ce que je veux dire, c’est qu’il y a dans la poésie de Fourcade quelque chose qui est décidément d’aujourd’hui ; qui l’attache très étroitement, très intimement à l’époque. Affaire d’objets, sans doute, (« son V8 feutre »), de motifs, de noms propres (Simone Pérèle, Princesse Tam Tam…), d’associations surprenantes qui n’ont plus rien à voir avec le vieux surréalisme, ayant une tout autre saveur (« jeune huître, vanillée»). Mais c’est affaire aussi (surtout ?) d’éclairage, de couleurs singulières, de rythmes, de vitesses, et de changements de vitesse. Et en tous cas, d’où que cela vienne, c'est cela qui arrête et qui retient, dans les livres construits/déconstruits de Fourcade, et dans celui-ci en particulier : en plus de leur charme, de leur raffinement, des éclats de vie qu’on y entrevoit, c'est cette évidence immédiate, légère, que c'est d'aujourd'hui.
Un lyrisme (parce que oui, c’est bien un lyrisme) pour ce temps-ci. Pas un hasard si ça commence sur les marches de l'Opéra. C'est un ouvreur qui chante (mais un ouvreur, pas la diva) : « Cet homme écrit Fourcade, parlait à la limite du chant, limite où commence l'angoisse »
[Claude Pérez]
Dominique Fourcade, manque, POL, 2012. Lire les premières pages du livre.
mardi 15 mai 2012
[note de lecture] "Ventres" de Stéphanie Ferrat, par Antoine Emaz
On connaît l’écriture de Stéphanie Ferrat : rétractée, comme cadenassée sur sa violence interne. On entend l’expérience comme assourdie, murée par le poème en même temps qu’il la fait entendre. Aucun épanchement ici. La parole est en constant risque d’arrêt, d’asphyxie : une poésie strangulée : « décaler le jour la lumière / n’empêche pas le passage du nœud » (p.29).
L’enjeu est celui du vivant : végétal, animal, humain, tout aussi bien. Mais cela inclut la question de la mort, puisque le vivant est par définition ce qui prend fin. Et la mort des bêtes rejoint celle des hommes : « on s’enfonce la mort par où elle vient // un chien un cheval // pas besoin de voir le sang / pour savoir qu’il flambe / puis s’écaille » (p.26). Dans tout le vivant on retrouve cette même détresse, la perte, les mains vides face à l’ « à venir / le long collier des morts / même fil » (p.35)
L’ellipse, le choix du moindre dire, rend le poème dur, âpre, cassant, mais on comprend cela comme une sécurité nécessaire. Sinon, tout serait emporté, même le poème. « Le matin où la mort éclot / les mots ne sont plus » (p.22) Donc ce n’est pas volonté de cryptage, ou un quelconque hermétisme, c’est strictement dire ce qui est possible pour que le poème tienne, résiste, ramène à parler en suturant une plaie d’être et de langue, une rupture. Plus l’expérience de départ bouleverse, plus l’écriture doit redonner du stable, du sûr, du fixe.
Même si des questions demeurent. Le livre s’achève sur l’une d’elles : « faut-il sans cesse / apprendre le visage / nouer le jour au vivant » (p.35). Personnellement, je réponds oui sans hésiter ; le livre, lui, laisse sur un silence, une tension blanche.
[Antoine Emaz]
Stéphanie Ferrat – Ventres –
Editions Potentille – 35 pages – 7,70€
lundi 14 mai 2012
[note de lecture] "Foule ouverte asphalte" de Dominique Grandmont, par Philippe Leuckx
« La route est cette écriture qui s’efface au fur et à mesure »
1
Depuis quelques années déjà, la route fait partie de la vie ordinaire du poète et traducteur Dominique Grandmont. Plusieurs livres, e. a. « Mots comme la route », « Transversale nord » en ont transcrit les enjeux. Il est devenu accompagnateur bénévole sur un 20 tonnes gris et rouge et puis en route…
2
Qu’on songe seulement, comme le dit si bien Jean-Luc Bayard, à l’entame de ce livre d’entretiens, écrire c’est partir. Grandmont est, depuis « Ici-bas », avec quelques-uns – des aînés comme Fargue, Hardellet, des contemporains, Réda ou l’Italienne méconnue Giovanna Sicari – un poète de l’errance. Dans la longue tradition néo-réaliste des errances (de « Ladri » à « Profession reporter », en passant par « Au fil du temps »), Dominique G. est peut-être bien le seul tout de même à consigner dans le même mouvement visages, immeubles, gares de triages, entrepôts glauques, Grands Moulins de Gennevilliers, tarmac d’usines déjetées… Et le regard doit aller à ces traces pour se hisser à ces lieux de nulle part, d’où toute poésie grandmontienne part et se livre.
3
Qu’on se rappelle les titres tissés de route, d’ouverture au grand air, de foule, ces grands espaces de l’écriture, une fois le camion logé entre vitre et soi, c’est-à-dire au plus près des pneus, du monde, de ce que les yeux doivent chausser comme réalités neuves, forcément neuves, chaque jour ordinaire.
4
En matière d’ordinaire, le chroniqueur de « Foule ouverte asphalte » creuse cette belle matière des mots. Comme route ? Et pourquoi s’entretenir ? Les réponses sont multiples et, comme toujours chez DG, bien plus complexes que leur seul énoncé. Le monde ne va pas bien et l’écrire est une haute responsabilité. Il y a toujours chez Grandmont cette distance pavésienne et morale de retour-détour sur et par soi, au-delà du monde qu’il s’agit de transcrire au plus vif des routes et des mots. Comment dire ainsi l’ennui, « le compagnon de déroute », « le cœur gelé », l’intimité d’un camion qui a parcouru – et parfois en rond, puisqu’il faut en Ile-de-France aller là, revenir ici à Saint-Denis – des dizaines de milliers de kilomètres ?
Comment dire ? Quand « le poème (est) une contrebande ».
5
L’hyperréalisme des notations distillées au cœur des lettres qui tressent cet entretien, de ce que l’œil de DG voit, aiguise du réel, donne poids et densité à ce livre mobile « comme route ». Les vitres ne cachent pas tout et le poème est là, urgence de dire. Les accidents, les cimetières de tôles, la servitude du travail, ces « Africains aux cils blancs de farine ».
6
« Si la route est un art », on ne sait rien d’elle. L’ennui, dit-il encore, est le cœur du travail. Le poème s’écrit, dans le grand chœur de l’entretien, et sous le poème fusent les réalités : cartons, palettes, entreprises camouflées « derrière des thuyas », fruits fouillés dans des cageots retournés par des mains affamées.
La route, certes, engage le poème, l’infléchit vers la conscience aiguë du réel investi, réinvesti, le temps d’une route, d’une écriture, d’un passage par soi pour énoncer le monde.
Pourtant, « la route est cette écriture qui s’efface au fur et à mesure… »
Le paradoxe, au cœur du réel grandmontien.
[Philippe Leuckx]
Dominique Grandmont, Foule ouverte asphalte, La Passe du vent, mars 2012, 144 p, 13€, site de l’éditeur
samedi 12 mai 2012
vendredi 11 mai 2012
jeudi 10 mai 2012
[note de lecture] "Les Travaux et les jours" de Guillaume Condello, par Pierre Vinclair
Guillaume Condello vient de publier au Dernier Télégramme Les Travaux et les jours, un ensemble de « tableaux/chants » reprenant non seulement le titre, mais l'ambition – et l'humilité – d'Hésiode, le poète-paysan. Les temps ayant changé, la voix de Condello – ou celle qu'il met en scène – nous raconte une histoire indécise, pleine d'aller-retour, mâtinant Hésiode de Virgile, de Lucrèce ou de Marx pour chanter les « travaux et les jours » de notre monde, c'est-à-dire retrouver le nœud bio-anthropologique qui fait du travail humain une exécution de la partition naturelle, lié à la terre, aux rythmes des saisons dont il poursuivrait l'immense œuvre tout en en subissant les contraintes. C'est précisément de cette articulation du corps travaillant et des rythmes de la nature que l'hyperindustrie du capitalisme contemporain croit nous dispenser – et c'est au nouveau tissage de cette boucle à première vue improbable que le livre de Condello s'emploie, s'occupant de « la tristesse des machines » et des paysages de banlieue et renvoyant, dans des images dont la force n'a d'égale que la simplicité, l'industrie à sa naturalité oubliée :
et les nuages au-dessus
des usines qui
extraient la
cellulose le
silice les
usines qui
laissent échapper
une fumée pour
les nuages
au-dessus (p. 24-25)
Mais Condello ne se contente pas de faire revivre l'articulation, opérée par Hésiode et oubliée par l'idéologie capitaliste, du travail humain aux rythmes de la nature, il lui reprend aussi la forme discursive, proposant pour la (post)modernité une forme d'épopée qui en conserve les dimensions essentielles : le héros, le thème de la fondation, le caractère collectif d'un chant en même temps narratif.
Une série de narrateurs tutélaires et de héros, en effet, rythme la progression de ce livre qui pour autant ressemble moins à un patchwork qu'à un seul long poème, Condello les « fondant » tous dans le creuset de son propre chant. Parmi ces voix, celles d'Hésiode, d'Homère, de l'Ancien Testament, de Virgile, de Lucrèce, de Rousseau, de Marx, d'Apollinaire, de Kurt Cobain ou de Thom Yorke se distinguent et se mélangent, apparaissant sur le modèle des Cantos de Pound tantôt comme différentes strates dans le chant, tantôt comme les instruments d'une symphonie dont Condello serait le chef d'orchestre. Que disent-elles ? Elles essaient de raconter une histoire, dans une épopée comme réduite à son squelette : un commencement et un héros, le héros de ce commencement, la fondation, l'histoire d'un homme allant ailleurs, au-delà, Christophe Colomb ou Marco Polo, d'un homme qui pourrait commencer, enfin – recommencer. Mais :
rien
au commencement
rien
n'était pas même
le commencement (p. 51)
et son œuvre fondatrice également échappe :
tu chantes mais
le vrai fondateur
erre
la chanson erre
dans les gorges
brûlées (p. 57)
Si bien que le chant de cette fondation lui-même désavoue ses propres prétentions :
en vérité je vous le dis
il n'est pas de
prophète (p. 129)
C'est, ce me semble, la force du livre de Condello, qui sans cela tomberait dans un kitsch qui n'a pas toujours épargné les tentatives modernes de faire revivre l'épopée : le chant qu'il y déploie s'abreuve autant à Derrida qu'à Hésiode, et l'ambition épique est toujours balancée par le soupçon déconstructionniste :
un homme
a franchi les
bornes dit-on
du monde
c'était […] c'était
un homme
peut-être
si l'histoire ne ment pas (p. 56)
« Peut-être ». « Si l'histoire ne ment pas ». L'épopée du grand homme et du commencement que chante l'aède moderne se prend dans le soupçon que sa voix porte aussi, que sa voix est. D'où, sans doute, le drôle de mètre utilisé par Condello, qui est une sorte de vers double, voire triple, décalant des morceaux de vers par tabulation jusqu'à créer une sorte de double ou triple chant (en fonction de notre façon de lire, par lignes ou par colonnes) conférant à son poème une sorte de virtualité et d'indécision fondamentale. Ainsi dans le passage suivant :
une voix nomme
les lieux que tu
traverses
te regardent
tu cherches
des yeux le lieu
indicible
de banlieue à
banlieue
le train erre les panneaux
te regardent
les couloirs
te regardent
tu bouches de musique
tes oreilles nulle
sirène ne retentit
dans les couloirs
un chant de guerre
entre les dents (p. 110)
Le système des tabulations permet en effet de lire d'autres histoires, présentes de manière seulement subliminale, que ce qu'on lirait en ne tenant pas compte des blancs : « une voix / te regardent […] tu bouches / sirène / un chant de guerre » sur la colonne 1, « banlieue / tes oreilles nulle / dans les couloirs / entre les dents » sur la colonne 2, « nomme / traverse / des yeux le lieu / entre les panneaux / de musique » sur la colonne 3. Or, une telle superposition, spatiale et non plus historique, des voix, explique sans doute que les nouveaux Travaux et les jours ne soient pas seulement des chants, mais aussi des « tableaux », ainsi que le précise le sous-titre, c'est-à-dire un système de coexistence spatiale de la pluralité, et non seulement d'enchaînement temporel, un ensemble de lignes et de colonnes. De ce fait, chaque poème de Condello se constitue comme le lieu d'une indécision essentielle, non seulement quant au contenu du texte, mais du fait de sa forme même, dont l'essentielle fragilité – conséquente de cette co-présence et de cette concurrence des discours – en fait, plus peut-être que de Pound, la continuation du Coup de dés de Mallarmé tel que l'a lu Quentin Meillassoux dans Le Nombre et la sirène : l'écriture d'une épopée des temps (post)modernes, remplaçant le personnel kitsch des héros antiques et leurs fondations par le tremblé fragile de la seule contingence, et substituant à tout discours sur l'être le chant vrillé d'un immense « peut-être ».
[Pierre Vinclair]
Guillaume Condello, Les Travaux et les jours, Editions Dernier télégramme.
(Certains navigateurs étant susceptibles de ne pas reproduire les tabulations, Poezibao propose également l’article de Pierre Vinclair en fichier à télécharger)
Téléchargement Guillaume Condello, les Travaux et les Jours, lecture de Pierre Vinclair
mercredi 09 mai 2012
[note de lecture] "Nous nous attendons" d'Ariane Dreyfus, par Antoine Emaz
Pour une fois, commençons par la fin : les deux textes donnés en « annexes », Cerises interlocutrices* et Les bouées que nous prenons, ne sont pas du tout accessoires. Ils pourraient être lus comme une sorte d’introduction ou de préface de l’auteur, tant ils éclairent la visée et la manière de travailler, à partir de deux poèmes précis et présents dans le livre. Il est tout à fait intéressant d’entrer dans l’atelier d’Ariane Dreyfus, de lire les différents états du poème, de comprendre le pourquoi de l’évolution de tel ou tel vers. Ecrire est un travail de précision, pas un pur élan inspiré ; un travail de retour sur soi autant que d’attention à l’autre, à la réception. Un travail aussi de défiance vis-à-vis de ses propres « tics ». Un travail enfin de pesée gain/perte pour chaque variante possible. Ces pages permettent aussi l’accès au soubassement du texte : on mesure combien la force originaire du poème est finalement et volontairement bridée jusqu’à n’être qu’indication rapide au lieu de se déployer en un flot lyrico-sentimental : « mon livre vise à l’affleurement de drames banals et jamais exposés » (p.150). Je pourrais donner plusieurs de ces « affleurements » mais ce serait les mettre au premier plan alors que le travail d’écrire ne vise pas à leur mise en valeur, sinon par leur présence maintenue dans un environnement textuel qui dit tout sauf le « drame ».
Dans ces textes « annexes », le projet du livre est aussi clairement énoncé : « je travaille à un livre hanté par l’œuvre de Gérard Schlosser, en « miroir de peinture », comme le dit une amie. J’ai envie d’écrire dans la lumière de sa pensée, de son rapport au monde tel que je le ressens en regardant ses tableaux, non pas pour décrire ou reproduire ceux-ci, mais pour provoquer un effet approchant. » (p.112) Donc il s’agit d’un livre dans la proximité d’une peinture, en « reconnaissance à Gérard Schlosser », comme l’indique le sous-titre, mais pas du tout d’un livre illustrant la peinture de Schlosser, à proprement parler. Au fil des poèmes, le peintre peut être évoqué, « Le rose vient d’être ouvert, il hésite / Il pose son pinceau dans le pot de pinceaux » (p.105). Mais ce n’est aucunement une présence invasive. Le poème a son autonomie, sa tenue, tout comme dans les livres précédents Ariane Dreyfus pouvait passer par d’autres formes artistiques (cinéma, danse…) permettant un détour pour mieux ramener à son œuvre personnelle.
Les scènes d’intérieur dominent, mais le paysage (mer, campagne, pas de ville) n’est pas oublié. Dominent l’été et l’harmonie : « La nature est cette communauté surprenante où nous introduit le corps » (p.81). Sensualité, participation au monde : le corps comme interface multiple entre soi, l’autre, le dehors. Mais c’est toujours dans ce livre comme un bonheur possible : le temps s’absente, reste un accord immédiat avec le réel, nature ou corps de l’autre : « Une pierre que l’après-midi tient au chaud / C’est mieux les lèvres,/ Changeant de forme dans les baisers / Alors que l’angoisse n’arrive à rien » (p.89).
Poésie amoureuse, oui, mais curieusement décalée par l’éviction du rapport je/tu et son remplacement par il/elle, qui provoque comme une impression de suspension. On ne sait pas si la scène est vécue ou décrite à partir d’un tableau de Schlosser. Expérience personnelle ? Rêverie à partir de personnages peints ? Flou entre les deux ? Par contre, on retrouve bien l’érotisme sans violence particulier à la poésie d’Ariane Dreyfus. Etre au plus près du corps, c’est le caresser : « C’est si calme d’aimer » (p.58). Erotisme de la tendresse : « Il plie le bras pour qu’elle y mette sa tête / A deux ils font un corps » (p.92). Les objets participent à ce jeu qui peut envelopper autant que découvrir, sans rien de pervers : pull, chemisier, couverture… Le désir a toute sa place de simple désir.
Les titres des poèmes contribuent à créer cette atmosphère de normalité, de naturel : ce sont des paroles de la vie quotidienne, sans contexte ni lien direct ou évident avec le poème qu’ils annoncent : « Arrête, veux-tu », « On est arrivés hier », « Je vais au jardin », « Tu aurais dit une chose pareille ? », « Je me sens vieux »…
Un dernier élément, déjà présent depuis longtemps chez Ariane Dreyfus, mais qui rejoint peut-être la peinture de Schlosser : privilégier le détail. En allant vite, on pourrait parler d’une pente métonymique de cette poésie : une partie du corps, un geste, un objet… sont révélateurs de bien plus qu’eux-mêmes. Ils portent une vie. Le livre devient comme un miroitement d’éclats de vivre, même si chacun est composé comme un tableau dans lequel le poème peut ouvrir une profondeur, voire un à-pic : « Est resté ou est revenu / La couverture cette fois est à gauche / Genou / Pliant sa jambe son pied est posé / Sur l’autre jambe // La moitié d’un losange / En-dessous c’est un peu d’ombre c’est creux // S’arrêtant de lire pour garder ouverte la page / Où c’est écrit / « Les rues de Vienne sont pleines de Juifs qui ne sont pas là » » (p.66).
Le titre d’un poème peut parfaitement exprimer la poésie de ce livre : « Une musique qui parle, pas une qui déclame ». Exact.
[Antoine Emaz]
Ariane Dreyfus – Nous nous attendons, Le castor Astral – 155 pages – 14€
*on peut lire ce « chantier de poème » dans Poezibao.
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