Poezibao

(Note de lecture) Pierre-Yves Soucy et Olivier Schefer, Vertiges de la main, par Yves Boudier

Il est des lectures qui plus que d’autres nous renvoient à notre mémoire d’émotions.
Ainsi, à peine avais-je feuilleté Vertiges de la main qu’un sentiment de déjà-vu me traversa, mais d’autant plus troublant qu’il me persuadait que le motif de son apparition se trouvait dans les pages mêmes de ce volume, un sentiment de déjà-vu par anticipation, en quelque sorte. Je m’arrêtai alors sur l’une des figures « traces et dessins », une empreinte au pastel brun et crayon de pierre noire au seuil du livre. C’est alors qu’un autre effet inattendu se produisit. Je plongeai en quelques secondes vers un passé sur lequel je n’avais pas imaginé à quel point ma sensibilité au geste pictural s’était fondée.
Nous sommes en août 1981. Colorature vient d’être créée par Jean-Claude Montel qui signe le premier livre de cette nouvelle collection consacrée à la peinture contemporaine, un subtil regard rétrospectif vers les années héritières du mouvement « Supports/surfaces » à travers le parcours émouvant d’un peintre disparu, Gaston Planet, accompagné d’une analyse remarquable de son œuvre. Un retour émouvant de cet artiste qui court sur l’estran vendéen d’une roche à l’autre entre deux marées hautes pour surprendre sur la toile l’empreinte archaïque du jeu de l’eau et de la pierre. Scène d’extérieur s’il en est, mais mime accompli et renouvelé, sous le ciel et le vent, du geste pariétal. La surface ne lui est pas donnée par le minéral et l’obscurité, le feu et les fumeroles votives des premiers gestes religieux, gestes de la pulsion qui vise à unir le fait et le tracé, à lier, relier les éléments du désir humain avec le monde matriciel vers une lumière nouvelle, le nimbe du symbolique naissant. Gaston Planet pliait et dépliait sa toile, il avait pris de l’avance sur les actes premiers, il savait désormais que la trace portait représentation de l’éphémère de nos vies, de la mort qui nous cadre et dont, à son image, la violence consentie du geste artistique tente à la fois de l’accueillir et de nous en libérer, berceau de toutes naissantes à venir.
Or, que devient le donner à voir lorsque l’homme quitte l’obscur, la caverne, lorsque l’artiste abandonne l’estran, le découvert-recouvert des marées, pour s’asseoir, se poser devant la feuille, cet espace au regard vide, à la blancheur défendue par l’absence de perspective, à la virginité insupportable imposant un agir du noir, un usage indispensable et antagonique de la horde des gris, des débords et des glissades sombres ? Voici la leçon qu’aujourd’hui nous offre Pierre-Yves Soucy.
Si le poète que l’on connaît ne métamorphose pas cette vision en poème mais en vertiges de la main, ce n’est pas pour dépasser un prétendu inénarrable de l’écrit, mais pour transcender la possible imposture, la toujours proche trahison de la parole ou du verbe. La radicale brutalité assumée du fusain, du graphite saisit ainsi la page et, amendant son silence, la délivrant de l’orthogonale découpe, elle lui offre une surface et une profondeur, la sature et la creuse, entre aspérités et grains lissés, entre noirceur et éclair, avec « l’intention de voir à partir du déjà-vu » […] « jusqu’à ce qu’une composition semble trouver une configuration singulière, unique et adéquate ». Un déjà-vu qui nous serait partage, communauté d’émotions.
Olivier Schefer, avec lequel Pierre-Yves Soucy s’entretient en fin de volume, (L’avènement de quelque chose qui nous échappe), écrit dans un texte liminaire (Fragments de paysages) : « Pour Pierre-Yves Soucy, j'en fais l'hypothèse, les traits, les traces, les grilles et les lacis, les empâtements au noir, les entailles du papier, la division de l'espace ou son resserrement, le grain frotté, rien de cela ne quitte tout à fait le monde, quand bien même il s'agit de l'égarer et de s'égarer en chemin. »
Serait-ce alors la main qui nous guide, qui instruit le lien entre la pensée et l’acte créateur ? « L’art se fait avec les mains. Elles sont l’instrument de la création, mais d’abord l’organe de la connaissance. » […] « L’esprit fait la main, la main fait l’esprit », ainsi que l’écrivit naguère Henri Focillon dans Éloge de la main (1934), cité par Olivier Schefer. Et de nos jours, cet universel et intemporel du geste continue de nourrir toute réflexion sur l’origine de la pulsion artistique, qui avant d’être vécue, évaluée comme objet esthétique, relèverait ainsi d’un mouvement premier, atavique, signant un hors-temps initial à partir duquel se construirait l’échelle chronologique que l’on nomme histoire de l’art.
L’organe de la pensée, c’est la main, écrit à son tour Valère Novarina, en choisissant ces mots comme titre d’un livre autobiographique (Entretien avec Marion Chénetier-Alev, Argol 2013). Mais, que peut, que dit la main de la pensée ? Quel est cet « organique » de l’écriture, qu’elle soit cursive ou graphique ? C’est là le paradoxe de la saisie d’empreintes. Caresser et s’emparer de la surface labile du monde ou la recréer par mimétisme n’est pas homothétique, quand bien même la pulsion serait identique, celle qui traverse cette extension unique du corps qu’est la main ancilaire, soumise au travail de l’œil, pour la conduire, l’amener à donner la parole au support, papier, tissu, toile, en le dotant d’une langue, celle de signes noirs qui donnent sens au virginal, au blanc.
Si la musique est fille du silence, la gravure est l’orpheline du vide, car celui-ci ne s’origine de nulle part, il est toujours déjà-là. Le silence sort de lui-même et le chant naît. La trace, elle, pénètre dans la page et instruit dans le même mouvement sa disparition car la mémoire visuelle n’équivaut pas à celle des sons, elle se destine à la dissipation, en autant de fragments que l’histoire de la représentation organise en objets d’identification. S’ils forment, réunis, rassemblés, les marqueurs de notre histoire picturale et esthétique, ils ne sont, chacun dans leur espace de solitude, qu’éléments abstraits, hors histoire, matière principielle que la main de l’artiste peut saisir et faire sienne, c’est-à-dire disposer dans une figuration possible, avec tous ses précieux avatars, jusqu’à l’abstraction la plus concrète.
Jouissons de ce renversement : la peinture figurative relève du symbolique, de l’abstrait, un abstrait auquel le symbolique confère un sens. Et il n’y a pas plus concrète que la figuration des seuls signes, abusivement nommée abstraite, jusqu’à être associée à un supposé et prétendu lyrisme.
Avec Pierre-Yves Soucy, nous revenons à la dialectique du noir et du blanc, voire des pastels, nous retrouvons possiblement un(e) geste de l’origine, mais avant tout geste du quotidien qui nous renvoie à notre finitude, à notre mortalité transcendée par chaque « déplacement d’angle, aussi minime soit-il, et c’est alors autre chose qui germe et qui jaillit », propos qui ne sont pas sans nous rappeler le Cézanne de la Sainte-Victoire, peinte à chaque fois selon un léger décalage sur 87 tableaux, 44 huiles et 43 aquarelles. Le même et l’autre. Répétition fondatrice du voir et du vivre la lumière et le sombre, le proche et le lointain dans la dissipation d’une focalisation qui métamorphose tel tracé minuscule en représentation majuscule, tel coup de crayon ou de fusain en quasi ronde-bosse au cœur englobant de la page.
La main de Pierre-Yves Soucy nous délivre de toutes contingences structurales et picturales, elle nous renvoie à l’obscur libéré de nos jours, à la lumière, à « l’intimation de l’attente ». Elle donne la parole alors à Ingeborg Bachmann, dans le poème intitulé Ce qui est vrai : 

Tu veilles et guettes ce qui est juste dans l’obscurité,
tourné vers l’issue inconnue.

Pierre-Yves Soucy ne se trompe pas. Et s’il fait sien ce propos de Paul Klee : « La main exercée est souvent plus savante que la tête », c’est qu’il sait que rien ne se ferme pour les poètes, car souvent dans leurs mémoires, ce qui sourd de la page perd l’identité que le discours académique replie sur l’objet artistique. Pierre-Yves Soucy incarne dans sa polymorphie poétique et graphique cette exigence de la prévalence du sentiment sur la raison, de la pulsion pensante sur le « vague de l’idée », pour reprendre les mots de Valéry. Entre poème d’écriture et poème du tracé, la distinction n’est que d’émotion, sûrement pas de valeur.

Yves Boudier

Pierre-Yves Soucy et Olivier Schefer, Vertiges de la main, La Lettre Volée, 2022, 80 p., 18€


Deux brefs extraits du texte d’Olivier Schefer (choix de la rédaction).

Regardons le poème de Pierre-Yves Soucy, celui que la main écrit et celui qu’elle frotte, qu’elle gratte, dont elle recouvre le papier, laissant transparaître parfois la trace de pièces métalliques tirées d’un atelier. Ne dirait-on pas l’avers et l’envers d’une même traversée des paysages et des sols étrangers ?

Les dessins, les frottages de Pierre-Yves Soucy rappellent ici un herbier, là les nervures d’une feuille, ici encore une surface marbrée, peut-être des nœuds vivants, de la foudre, des morceaux de cailloux ; cela ou tout autre chose. Qu’importe à quoi cela ressemble ou ne ressemble pas. La main tâtonne dans des paysages nocturnes, passe entre deux pierres, hésite sous des herbes noires, esquisse un équilibre, tire un fil qui dépasse, toujours recueillant les fragments d’une beauté éparse dans les interstices du monde.
(p. 6 et 7) ?

(Note de lecture) Justyna Bargielska, L’enfant des dons, par Mazrim Ohrti

 

Nous avions déjà évoqué « Nudelman », livre de cette auteure publié à cette même enseigne. Considérée comme une voix novatrice de la poésie polonaise, Justyna Bargielska puise celle-ci dans le quotidien, dont les thèmes invitent chacun à se reconnaître en ses instances plus ou moins avouables. Elle y construit sa symbolique, irréductible, à partir de lieux ordinaires d’apparence, de souvenirs figés dans le sel d’une vie qui se dévoile sur des événements mêmement banals. Compensation de l’absurdité du monde, moins pour le résoudre que pour y plonger sans crainte ni ambiguïté (« Une partie de la vue / qui s’offre à nos regards s’affaisse précisément sous sa propre charge… »), avec une tendre ironie s’il vous plaît.  

L’oralité règne par une langue parfois crue, par ailleurs sensuelle. Un brin d’iconoclastie crée un paradoxe avec le gigantesque axiome du monde. « La seule chose que puisse faire le recopieur de signes » ? La confusion qui en découle trouve justice dans « le don d’effacer » (en référence au titre), dans « l’avenir (qui) est comme la version brouillon d’un sms adressé à quelqu’un / qui entre-temps meurt (…) ». L’enfance est récurrente chez Justyna Bargielska, avec ses barrières infranchissables une fois qu’on reconnaît ce pays perdu avec ses héros (réels ou inventés). Tantôt les énoncés s’inversent avec une facilité déconcertante pour renouveler le conte, lui rendre sa force (passée ?), au regard d’une sensibilité que le champ imaginaire semble avoir délaissée. Et ce, sans ambages : « On a l’air si beaux ensemble, / une petite fille que son père a nourrie avec de la viande crue, / un petit garçon tout entier de viande crue, / et en fond un tunnel, à la fin duquel / la viande dévore la petite fille ». « My sweet little poet to be fucked » est un cri lancé à la face du monde « en attendant le tram ». Un cri tel que les grands mouvements poétiques d’autrefois, dont les représentants sont passés à la postérité, s’employaient à parfaire pour dissiper la léthargie culturelle (pour le moins) d’une époque. On dira ici toute la force matérielle du discours en opposition au monde virtuel qui sustente notre quotidien. Sans pathos ni prétention ainsi que le rappelle Isabelle Macor dans sa postface.

Justyna Bargielska bouscule dogmes et croyances qui ont façonné notre monde en retaillant ici et là son iconographie jugée consumériste. Le sacré réside dans cette réalité dont l’autre face reflète l’imaginaire, les visions et les rêves de chacun. Parfois, en provoquant la chose d’une façon basique : « J’ai découpé dans un morceau d’écorce une tête de chien / dans laquelle on pouvait insérer son œil à soi (…) », parfois en défonçant les barrières de la raison résonnante : « Les enfants se sont couchés dans leurs lits / bien qu’ils aient essayé dans les douilles de leurs cartouches. »
Quoi qu’il en soit, le geste d’écriture chez l’auteure résonne socialement sur cette frontière entre ces deux pays que sont d’une part le monde et d’autre part la terre de désenchantement qu’il reflète. A chacun sa façon de s’y mouvoir en équilibre pour ne tomber ni dans l’un ni dans l’autre.

Mazrim Ohrti

Justyna Bargielska, L’enfant des dons, traduction Isabelle Macor, Éditions Lanskine, 2022, 72 p., 14€

(Anthologie permanente), traductions inédites de John Taggart, dossier de Jean-René Lassalle

Pastourelle 10

Larges balles de foin rondes éparses
sur le champ
qui semble rasé semble lisse comme table de billard

arbres dans les bois
autour le champ le ciel par-dessus semblent plus grands plus absolus
le champ un champ absolu forme cadrée par une arquée bordure d’arbres

à cause des larges et rondes balles de foin

genre Stonehenge / autonomes / étranges

quand les balles maintenant sont parties sur leurs rouges remorques brinquebalantes

toute chose =
le familier = l’invisible
pour lequel on pleure si l’on pleure en pure gratitude.

Source : John Taggart : Pastorelles, Flood Editions, 2004. Traduit de l’anglais (américain) par Jean-René Lassalle.


Pastorelle 10

Large round bales at random
on the field
which looks shaven looks pool-table smooth

trees in the woods
around the field the sky above seem bigger more absolute
the field an absolute field a form framed by an arching border of trees

because of the large round bales

Stonehenge-like/free-standing/strange

when the bales are now departed in their rickety and red wagons

everything =
the familiar = the invisible
for which one weeps if one weeps in sheer gratitude.

Source : John Taggart : Pastorelles, Flood Editions, 2004.

*

Chant lent pour Mark Rothko 2

Respirer étendre ses bras à nouveau
étendre étirer se redresser tendre pour
s’élever pour s’étendre se dresser s’élever
dans sa pleine hauteur ne pas torturer pas torturer pour
s’élever à pleine hauteur pour donner pour offrir pour
donner la main pour tendre la main
pour donner tendre vers.

Pour donner des fleurs auto-illuminées dans l’obscur
flamboyant saxifrage
pour tendre des fleurs auto-illuminées dans de l’obscur.
Pour donner comme donne l’hôte dans sa maison.

Pour étendre étirer se dresser tendre pour
s’élever à pleine hauteur ne pas torturer pas cela
pour s’élever pour donner pour résister pour
donner la main tendre la main pour donner
l’espoir l’espoir de l’espoir du parfait espoir du parfait repos
pour donner l’espoir du repos parfait
pour donner pour tendre vers.

Donner des fleurs auto-illuminées dans de l’obscur
espoir parfait et flamboyant
tendre des fleurs illuminées dans l’obscur.
Donner comme l’hôte donne en sa demeure.

S’étendre étirer se dresser tendre pour
s’élever à pleine hauteur pour ne pas torturer pour
donner la main tendre la main pour
donner l’espoir donner l’espoir du parfait repos pour
se reposer ne pas s’aplatir pas gésir
pour reposer comme des semences comme semences dans la terre
pour donner du repos pour tendre vers.

Pour donner fleurs auto-illuminées dans l’obscur
flamboyant espoir de repos parfait
pour tendre des fleurs de lumière dans l’ombre.
Donner comme donne l’hôte en sa demeure.

Source : John Taggart : Is Music, Copper Canyon Press, 2010. Traduit de l’anglais (américain) par Jean-René Lassalle.


Slow Song For Mark Rothko 2

To breathe and stretch one's arms again
to stretch to stretch to straighten to stretch to
rise to stretch to straighten to rise
to full height not to torture not to torture to
rise to full height to give to hold out to
to give the hand to hold out the hand
to give to hold out to.

To give self-lighted flowers in the darkness
fiery saxifrage
to hold out self-lighted flowers in darkness
To give as the host gives in his house.

To stretch to stretch to straighten to stretch to
rise to full height not to torture not to
to rise to give to hold out to
give the hand to hold out the hand to give
hope hope of hope of perfect hope of perfect rest
to give hope of perfect rest
to give to hold out to.

To give self-lighted flowers in the darkness
perfect and fiery hope
to hold out lighted flowers in darkness.
To give as the host gives in his house.

To stretch to stretch to straighten to stretch to
rise to full height not to torture to
give the hand to hold out the hand to
give hope to give hope of perfect rest to
rest not to lay flat not to lay out
to rest as seeds as seeds in the earth
to give rest to hold out to.

To give self-lighted flowers in the darkness
fiery hope of perfect rest
to hold out light flowers in darkness.
To give as the host gives in his house.

Source : John Taggart : Is Music, Copper Canyon Press, 2010.

*

Parménide / Fragments 3 et 15 A

1

Penser = être

affirmation nécessitant de devenir
image

tu en viendras à savoir ce que tu penses quoique pas quand tu vois
ce que tu dis
quand tu verras ce que c’est que tu fais

une des plus graduelles images.


2

Mot dans le grec imbrisé ne nécessitant rien
hydatorizon

enraciné-en-l’eau


3

Conodoguinet petite
rivière localement ruisseau nombreux méandres

frontière de ce que la carte dit être mien
frontière à l’ouest au centre de son lit tournant qui demeure

non-dragué
boueux

recélant roches ondulation
coulissement de l’eau basse par chaleur / sécheresse onde et coulée
autour des roches

genre d’aucun diverses couleurs différentes formes

extraites
évacuées pour poser peu réguliers irréguliers des pas.


4

Sur chaque côté les roses
transportant seaux d’eau deux à la fois parfum de roses

pas de contre-argument à une pénétration.


5

Effort pour équilibrer quelque effort pour grimper plus ou moins à pas égaux
pause avant de re
descendre

entière étendue de la masse montagneuse
et ligne crête ligne du massif montagneux au nord avec vague bleue qui s’étire

quoi donc
je fais ce que je pense
grimpant et redescendant.

Source : John Taggart : Is Music, Copper Canyon Press, 2010. Traduit de l’anglais (américain) par Jean-René Lassalle.


Parmenides/Fragments 3 and 15A

1

To think = to be

statement needing to become
image

you will come to know what you think although not when you see
what you say
when you see what it is that you are doing

most gradual of images.

2

Word in the Greek in itself unbroken needing nothing
hudatorizon

rooted-in-water.

3

Conodoguinet small
river locally a creek many turnings

boundary of what the map says is mine
boundary to the west to the middle of its turning bed which remains

undredged
muddy

containing stones ripple
slide of water low because of the heat/drought ripple and slide
around stones

no one kind various colors several shapes

pulled out
hauled away to make not quite regular irregular steps.

4

On each side roses
carrying buckets of water two at a time scent of roses

there can be no argument against penetration.

5

Effort to balance some effort to climb more or less level steps
pause before climbing
down

whole stretch of the mountain mass
and line ridge line of north mountain massive and elongated blue wave

what
I do what I think
climbing up and climbing down.


Source : John Taggart : Is Music, Copper Canyon Press, 2010.

*

John Taggart
John Taggart est un poète états-unien né en 1942 qui a enseigné à l’université de Pennsylvanie et édité une revue littéraire (Maps) dans les années 1960-70. Sa poésie se base d’abord sur le courant objectiviste (George Oppen, Louis Zukofsky), isolant des détails visuels dans un poème conçu comme une petite œuvre d’art. S’y ajoute parfois une écriture répétitive à minuscules variations qui fonctionne comme chez les compositeurs Steve Reich ou Philip Glass, par accumulations de strates jusqu’à créer des grilles sonores complexes. Certains poèmes de John Taggart assemblent des paysages ruraux plutôt métaphysiques (dans la série des « Pastourelles »), d’autres évoquent une figure intellectuelle (le philosophe Parménide, le musicien de jazz Sonny Rollins, l’artiste Edward Hopper). Du « Chant lent pour Mark Rothko » (peintre minimaliste quasi-mystique) il existe une version monumentale (mais toujours musicale et humaniste), « The Rothko Chapel Poem » que Taggart a lue en public dans la claire-obscure pénombre de la chapelle-musée non-confessionnelle dédiée à ce peintre, et dont il existe une traduction en français par Pierre Alféri.

Bibliographie sélective :
To Construct a Clock, Elizabeth Press, 1971
Dodeka, Membrane, 1979
Peace On Earth, Turtle Island, 1981
Loop, Sun and Moon, 1991
Pastorelles, Flood Editions, 2004
There Are Birds, Flood Editions, 2008
Is Music, Copper Canyon Press, 2010 (anthologie)

Traduction en français:
Le Poème de la chapelle Rothko, Créaphis 1991, traduit par Pierre Alféri

Ainsi qu’un cycle de poèmes dans la superbe anthologie de poésie nord-américaine Format Américain – l’intégrale, éditée par Juliette Valéry, L’Attente 2021

Sitographie :
Dossier sur John Taggart avec biobibliographie et poèmes en anglais

Vidéo de la lecture à la Chapelle Rothko où John Taggart lit son long et complexe poème de 35 minutes à 70 ans avec une voix douce et claire (descendre un peu sur la première petite vidéo à droite et agrandir : Taggart commence le poème à 9’50)

Choix, traductions et présentation de Jean-René Lassalle

(Poezibao Hebdo) du samedi 2 juillet 2022 (les 16 dernières publications de Poezibao & Muzibao

Les articles parus dans Poezibao et Muzibao cette semaine

Dans l’anthologie permanente, de substantiels extraits de livres de Christophe Esnault et de Claude Favre, et une présentation détaillée d’une anthologie de poésie japonaise publiée en 905 ! :
(Anthologie permanente), Christophe Esnault, Vivre, 1 - 40
(Anthologie permanente), Claude Favre, Ceux qui vont par les étranges terres les étranges aventures quérant
(Anthologie permanente) & (A livre ouvert), Kokin waka shû, Recueil de poèmes japonais d'hier et d'aujourd'hui

Une nouvelle parution de la revue Nu(e) que Poezibao héberge depuis maintenant dix numéros. Tome IV d’un important ensemble dédié aux femmes poètes (accès gratuit) :
(Revue) Nu(e), n° 76, PoÈt(e)s/4

Des notes de lecture de livres de Michel Murat, Laure Gauthier, Antoni Clapés, André Dhôtel, Franco Fortini, Ivan Bounine et Françoise de Laroque, signées Jan Baetens, Alexandre Ponsart, Françoise Le Bouar, Marc Wetzel, Christian Travaux, Philippe Di Meo et Anne Malaprade
(Note de lecture) Michel Murat, La poésie de l’après-guerre, 1945–1960, par Jan Baetens
(Note de lecture) Laure Gauthier, Les corps caverneux, par Alexandre Ponsart
(Note de lecture) Antoni Clapés, Et le soleil dans ta main, par Françoise Le Bouar
(Note de lecture) André Dhôtel, Histoire sentimentale, par Marc Wetzel
(Note de lecture) Franco Fortini, Feuille de route, par Christian Travaux
(Note de lecture) Ivan Bounine, Un monsieur de San Francisco, par Philippe Di Meo
(Note de lecture) Françoise de Laroque, Chambre jaune, par Anne Malaprade

Un texte de Bernard Noël autour de Philippe Jaccottet et de la poésie, de façon plus générale :
(Varia et archives) La Clarté des mots, un texte de Bernard Noël autour de Philippe Jaccottet

Un hommage au peintre, graveur et éditeur Marc Pessin, signé Sylvie Fabre G.
(Hommage) à Marc Pessin (27 mai 1933 – 4 juin 2022)

Les livres reçus cette semaine par Poezibao :
(Poezibao a reçu) La vitrine poésie du samedi 2 juillet 2022, 16 nouveaux livres

Divers :
(Prix) Poezibao reçoit un Prix d'Académie de l'Académie Française

Et dans Muzibao :
(Note d'écoute) Grazyna Bacewicz et allii, via le label Dux, par André Hirt

(Prix) Poezibao reçoit un Prix d'Académie de l'Académie Française

Je suis heureuse d’annoncer que je viens de recevoir un des prix de l’Académie Française. Un « Prix d’Académie », médaille de vermeil, dont les trois autres lauréats sont Philippe Descola, Patrick Reumaux et Stéphane Guégan. Ce prix m’est attribué pour le site Poezibao.
Je tiens à associer les très fidèles contributeurs de Poezibao à ce Prix, sans eux rien ne serait possible.

[Les Prix d’Académie sont des prix annuels, créés en 1970, Fondation Le Métais-Larivière, destinés à récompenser des ouvrages d’importance particulière ou l’ensemble d’une œuvre]

Florence Trocmé

(Poezibao a reçu) La vitrine poésie du samedi 2 juillet 2022, 16 nouveaux livres

Les seize livres et revues reçus par Poezibao cette semaine :

Jean-Luc Steinmetz, Vers l'apocalypse, Le Castor Astral, 2022, 15€
Pierre-Yves Soucy et Olivier Schefer, Vertiges de la main, La lettre volée, 2022, 18€
Dominique Quélen, Une quantité discrète, rehauts, 2022, 16€
Christiane Veschambre, Julien le rêveur, éditions Isabelle Sauvage, 2022, 15€
Lou Raoul, second jardin (drugi vrt), éditions Isabelle Sauvage, 2022, 15€
Jean-Pierre Otte, Sur les chemins de non-retour, Revue Nunc/Éditions de Corlevour, 2022, 16€
Angèle Paoli, L'instant Noailles, La tête à l'envers, 2022, 14€
Luis Mizon, Poèmes lus par la mer, dessins d'Alain Clément, Aencrages & co, 2022, 21€
Jean-Luc Favre Reymond, Dans une autre demeure, cartographie de la poésie française et francophone contemporaine, vol. 1, Editions 5 sens, 2022, 23€
Christian Cavaillé, Castastrôvirus, fables, illustrations Vincent Rougier, Ficelle, n° 148, Atelier Rougier V., 2022, 11€
Tristan Mertens, lieu l'autre, éditions Isabelle Sauvage, 2022, 14€
Muriel Roche, ma peau de fille, éditions Isabelle Sauvage, 2022, 7€

Revue L'ours blanc, n° 33, Elke Erb, Sonance, traduit de l'allemand par Vincent Barras, éditions Héros-Limite, 2022, 5€
Revue L'ours blanc, n° 34, Victoria Xardel, Le Zbeul suivi de La victoire du peuple, éditions Héros-Limite, 2022, 5€
Revue des Sciences humaines, La poésie en transit,  France-Brésil, textes réunis par Bénédicte Gorrillot, Marcelo Jacques De Moraes et Marcos Siscar - n° 346, 2/2022, Septentrion Presses universitaires, 29€
Revue Arpa, n°136, 2022, 12,5€

(Hommage) à Marc Pessin (27 mai 1933 – 4 juin 2022)

Marc Pessin est un graveur, éditeur et dessinateur français, né le 27 mai 1933 à Paris et mort le 4 juin 2022. Sylvie Fabre G. qui a souvent travaillé avec lui, lui rend ici hommage.

Sur la terre, sous la terre et ailleurs

En hommage au grand artiste
et éditeur, Marc Pessin,
qui s’est invibilisé
dans la vie et dans la mort

Jours pensifs où dérive la barque de tes morts, père, mère, frère, et tant d’amis. Serions-nous seulement des rescapés sur la terre ? Tous extravaguant, et tôt ou tard emportés par les calamités successives, les égarements meurtriers, ou simplement l’âge et ses désastres. Nos corps nos esprits peuvent se consumer, la vibrante substance de nos actes de nos mots être emportée par les turbulences qui dehors dedans nous poussent vers l’abîme, elle existe pourtant la prophétie à notre sujet. Des poètes des artistes l’accomplissent. Remontant et descendant le cours du temps, ils parlent aux ombres, captent des clartés et restaurent le souvenir d’un en-delà. Il ritorno te hante.

En Chartreuse, la crypte où se retirait l’un d’entre eux a été rendue au silence spirituel du Désert. Elle recèle le fond mystérieux d’une vie vouée à la création. Le Verbe et l’Empreinte, ainsi l’homme des signes avait nommé la Maison où il travaillait la matière et le sens, magnifiait les mots pour la circulation des souffles. Écritures, peintures, gravures, ne sont-elles pas les traces profondes du désir et du manque en nous, et de leur transmutation ? Biens d’une quête infinie, elles nous offrent en partage une destinée.

Pourquoi prêtons-nous si peu d’attention à la beauté ? demandait le Scribe. Nous préférons souvent les pourvoyeurs de sommeil à ceux qui nous éveillent. Misant le faux brillant contre la lumière farouche du vrai, nous nous égarons dans les mauvais tunnels. La lampe patiente d’un tableau, le phare scintillant de la poésie, leurs dits de sagesse sont des lanceurs d’alerte. De leurs signaux d’amour ou de détresse, lui ne détournait pas la tête. Il entendait le cantus qui remontait des âges et il croyait à la force immuable et sacrée du Verbe que ses doigts imprimaient dans l’argile, le cuivre ou sur le papier. De plain-pied dans le poiein, il sculptait le créé et l’incréé d’un peuple dont il calligraphiait l’alphabet et imprimait les figures mythiques. Editeur, ses livres singuliers transcrivaient l’être et un réel toujours énigmatique. Il y recueillait les langues des poètes pour nous offrir le chant vertigineux des mondes.

Le passeur vit maintenant l’invisible dont il avait su capter des éclats visibles de lui seul. Les  galets de la mort ont fermé ses paupières. Roulant dans ta bouche, ils ont poli le poème de l’adieu. Sur cette terre, rien ne peut arrêter la coulée de l’avalanche qui les transporte et nous engloutit. Creusant son lit dans nos corps, celle-ci nous aveugle et nous fait taire. Nos âmes portent la brisure. Mais sa part indéfectible de douleur et d’absence n’ôte pas à la présence son feu caché.

Sylvie Fabre G.


Pour en savoir plus sur Marc Pessin, Poezibao recommande la lecture de son site
Extraits :
« Marc Pessin – qui fonde une maison d’édition qu’il baptise « Le Verbe et l’empreinte » puisque unissant harmonieusement la langue poétique et le trait de la gravure -, va être amené à collaborer avec les plus grands noms du monde de la poésie, parmi lesquels, outre Léopold Sédar Senghor, figurent Louis Aragon, Alain Bosquet, Miguel-Angel Asturias, Tahar Ben Jelloun, Jorge Luis Borges, Michel Butor, Andrée Chedid, François Cheng, Pierre Dhainaut, Jean-Claude Renard, Bernard Sesé, Pierre Emmanuel, Max Jacob, Henri Michaux, Dominique de Villepin, Georges-Emmanuel Clancier, Jean Follain, Claire et Yvan Goll, Eugène Guillevic, Marie-Claire Bancquart, Marguerite Yourcenar, Ossip Zadkine, Pierre Péju, Andrée Appercelle, Jean-Pierre Chambon, Adonis, etc., m’arrêtant dans l’énumération de cette liste dont l’index des auteurs dont il a illustré les ouvrages, et qu’il a édités, comprend plus de 251 personnalités du monde la littérature et de la poésie. D’ailleurs pour se faire une idée de l’immense travail accompli, signalons que Marc Pessin est ainsi à l’origine d’un grand nombre d’ouvrages de bibliophilie contemporaine dont on dénombrait en 2011, lors d’un inventaire, près de 1 250 titres. »

(Note de lecture) Françoise de Laroque, Chambre jaune, par Anne Malaprade

Il semble que l’expérience de l’enfermement ouvert a été l’occasion d’écrire autrement pour Françoise de Laroque. Nous la connaissions comme critique et traductrice. Avec Chambre jaune, elle livre une série de courts moments autobiographiques qui ont été rédigés pendant l’un des derniers confinements. C’est donc son premier livre de création.

Sept proses brèves composent l’ensemble : « Portes et fenêtres », « On ne montre pas du doigt », « Mi-chemin », « Ciel ! », « Adjectif verbal », « Fruits » et « Jaune », qui se termine par l’énoncé suivant « Ici chambre jaune ». L’action se passe à Joigny, dont les églises, le fleuve et les figures locales sont cités. Le personnage principal est un enfant, dont le geste de montrer du doigt est scruté et analysé. Des motifs (la distance, la séparation) sont travaillés, ainsi que des affects (la douleur notamment, dans sa dimension « directe » ou « indirecte »). Le parti-pris des objets donne toute son importance à l’agenda, dont l’origine latine (ce qui doit être fait) réactive l’expérience du vide qui fut propre au confinement. Mais si les pages de l’agenda sont « restées blanches », « sans rendez-vous », « Ni dîners », « Sans les prénoms des amis à l’heure de la rencontre », « Sans les titres des films » durant ces mois exceptionnels, celles du cahier ou de l’ordinateur ont été remplies par les réflexions suivantes, qui témoignent de ces actions répétées et ritualisées qui furent les nôtres jour après jour durant la pandémie : « Pages blanches, donc. N’ont pas noté les répétitions. Les promenades. Cinq ou six itinéraires pourtant. Quatre le long de la rivière. Deux avec des variantes dans les collines jusqu’au bois. Les jours du quatre-quarts au goûter. Ou de la tarte aux pommes. Les films du soir. Jamais les mêmes". Des pages blanches qui auraient oublié l’essentiel, essentiel que cette Chambre jaune, elle, recueille avec évidence et simplicité : « N’ont pas noté les floraisons. […] N’ont pas noté les couleurs. […] N’ont pas noté l’apparition des chatons sur les branches ni leur structure différente selon l’espèce des arbres. […] N’ont pas noté la naissance des feuilles. […] N’ont pas noté les chants d’oiseaux. […] N’ont pas noté les parfums. […] N’ont pas noté les progrès de l’enfant ». Ainsi rien n’a été immobile durant ces semaines contraintes et arrêtées. Le flux du vivant humain, animal et végétal, s’est poursuivi, comme en témoignent la peau des fruits et la peau des hommes qui, en miroir, se rident et s’épaississent au fil du temps. Si la main sent et caresse ce vieillissement, « Les mots [sont] trop vastes » pour dire avec précision ce toucher qui rencontre « l’arrondi ferme, le creux sans mollesse, les zones tendres, le glissement uni de la main ».

Le dernier texte, « Jaune », réfléchit à ce qu’est une couleur et aux circonstances nécessaires pour qu’elle soit identifiée comme telle. Approche philosophique et esthétique, digression historique, remarque linguistique, anecdote malicieuse tournent autour du « Jaune » qui qualifie cette « chambre » – autre Mystère de la chambre jaune ? –, dans laquelle furent peut-être composés ces textes. Comme elle imagine des « soieries de noms », Françoise de Laroque met au point une langue à la fois incarnée et distante, précise et attentive, singulière et littérale, qui révèle la part de fiction que recèle le quotidien le plus circonscrit. Le ciel et la ville constituent des scènes sur lesquelles tout geste se détache et appelle à une forme de lecture redoublée en une attention d’écriture. Comme Françoise de Laroque le notait dans un très beau texte consacré à Anne-Marie Albiach, il s’agit pour l’écrivain de trouver « l’alphabet particulier de chaque chose qui se lève ». Ici, ce n’est pas une chose, mais bien une voix qui se lève, accompagnant chaque signe écrit d’un timbre absolument unique.

Anne Malaprade

Françoise de Laroque, Chambre jaune, Eric Pesty Editeur, mars 2022, 20 p., 10€

On peut lire d'autres extraits et une courte présentation du livre sur cette page de Poezibao.

(Note de lecture) Ivan Bounine, Un monsieur de San Francisco, par Philippe Di Meo

À l’âge de 58 ans, un nouveau riche américain issu d’une grande ville décide pour la première fois de sa vie de faire enfin un voyage de deux ans dans les lieux les plus prestigieux du tourisme international, comme en font parfois les gens de son milieu.
Séville, Florence, Rome, Naples, Athènes, Constantinople, la Palestine, l’Égypte et même le Japon sont quelques-uns des principaux jalons du long itinéraire projeté. Son épouse et sa fille l’accompagnent. La famille embarque sur l’Atlantide, un luxueux paquebot.
Lors d’une étape, dans un somptueux hôtel de Capri, après s’être savamment paré pour le repas du soir, le personnage fait un malaise. Il s’écroule soudainement sur le sol. L’agonie est brève, la mort s’ensuit très vite.
L’intérêt du palace exige qu’on dissimule au plus vite ce cadavre encombrant. Il est escamoté au rez-de-chaussée de l’établissement, dans une petite pièce presque sordide. Aucun cercueil pour évacuer le corps n’est disponible dans l’île. On improvise. Faute de mieux, une caisse de bouteilles d’alcool vidée, dont on retire aussitôt les séparations intérieures, y suppléera. Une misérable charrette emportera le défunt au port, puis vers le continent.
Ce qui frappe dans le récit effilé de Bounine, c’est l’extraordinaire fluidité du propos. Tout y est lisse, essentiel, économe, consécutif. Même si suffisante, l’information n’excède jamais le « juste assez ». Autrement dit, ce qui suffit tout juste à faufiler une narration. Sur le fil d’un invisible de rasoir, cette prestidigitation stylistique sans pareille, admirablement rendue par son traducteur, frappe.
Ainsi, de la fille du personnage, nous apprenons seulement qu’elle endure quelques troubles, que de l’acné se laisse imperceptiblement apercevoir sur son dos nu. Rien de plus. L’épouse est, pour sa part, uniquement assimilée à ses impeccables toilettes. Aucune psychologie n’éclot. Aucun trait de caractère ne filtre.
Chacun des membres de ce qu’un sociologue américain comme Thorstein Veblen (1) a pu qualifier de « classe des loisirs » se réduit aux rituels de sa caste, auxquels il sacrifie. Pour Bounine, ils sont ce sacrifice. Et lui seul. D’eux, nul affect jamais ne transparaît. Une impersonnalité foncière les distingue. Ce qui vaut pour ces personnages vaut de surcroît pour tous les autres hommes.
Les menues occupations et gestes résumant les activités de l’humanité sont décrits de l’extérieur, pêle-mêle comme des choses parmi d’autres choses : paysages, météorologies, traditions locales, etc. Et ce qui davantage importe sans hiérarchie. Chemin faisant, le lecteur identifie peu à peu des ensembles de signes épars dépourvus de signification.
Du réel, rien n’est omis, mais tout est appréhendé par un même impitoyable regard objectif. Ravageur et asémantique. Ravageur parce qu’asémantique. Aucune affectivité n’est repérable. Nous sommes en présence d’objectivations diverses juxtaposées. Mobiles et comme mécaniques. La cruauté d’une inviolable indifférenciation de ses composantes est la mesure de cet univers. Les fonctions sont multiples, mais leur sens demeure introuvable. L’apparence ne parvient pas à accéder à une quelconque essence. Après tout inexistante. Si abrupte est la sévère apédagogie de l’ouvrage.
De façon troublante, tout est glacial dans une socialité reconduite à une multitude de rites imbriqués décrits et attestés mais dépourvus d’épaisseur symbolique. Le tout évolue dans une sorte de vide cérémonie arbitraire. La mort rôde partout dans la désublimation d’une prose détachée ainsi conçue. Le frisson inaltérable de la description objectiviste laconique est peut-être son indice le plus sûr. L’artifice semble être l’étalon de tout aspect du réel. Mieux, il semble se confondre avec lui.
Les causalités abondent mais les rapporter à une cause quelconque s’avère paradoxalement impossible. Ainsi ignorons-nous, exemple parmi d’autres, de quoi est mort le personnage principal. L’écume de la philosophie de Schopenhauer ne clapote-t-elle pas, discrètement, tout au long du texte ?
Le discours se révèle de bout en bout pessimiste, mais, comme chez Leopardi, l’élégance de sa formulation procure un rare plaisir de lecture qui loin d’accabler exalte. Donne à penser. Séduit.
Avec légèreté et subtilité, le point de vue de l’auteur est amené par une citation liminaire – et donc par un hors-texte – de l’Apocalypse dont la résonance se trouve cependant reprise par le nom de continent disparu dudit paquebot – Atlantide – transportant – réellement et allégoriquement – les personnages pour finir par se métamorphoser en barque de Charon implicite. Allégorie commentée en filigrane par la danse sans fin – elle aussi allégorique – d’un faux couple d’amoureux – dûment stipendié, dûment maquillé – qui s’efforce d’animer – est-ce bien le mot ? – les soirées du bord selon une mise en abyme vertigineuse. Où toute signification s’égare à jamais.

Philippe Di Meo

[1] Cf. Thorstein Veblen, Théorie de la classe des loisirs, Gallimard, 1970.

Ivan Bounine, Un monsieur de San-Francisco, traduction du russe Christian Mouze, La Barque, 2022, 38 p., 13€.
Plus d’informations sur le site de l’éditeur

(Anthologie permanente) & (A livre ouvert), Kokin waka shû, Recueil de poèmes japonais d'hier et d'aujourd'hui

 

Poezibao a reçu ce Recueil de poèmes japonais d’hier et d’aujourd’hui, en fait la première des anthologies de poèmes en japonais compilée sur ordre impérial vers 905.
Ici sont donnés d’abord à découvrir de substantiels extraits du livre, puis est proposée une plongée à livre ouvert dans ce riche ensemble, magnifiquement édité, de plus de 500 pages.

157. Mibu no Tadamine

À peine tombée
Que déjà elle s'achève
La brève nuit d'été;
La voudrait-il plus longue
Le coucou des monts qui chante ?

Kururu ka to
Mireba akenuru
Natsu no yo wo
Akazu to ya naku
Yama hototogisu


160. [Ki no] Tsurayuki
Composé en entendant le chant du coucou

Aux grondements
Des pluies d'été dans le ciel
Il mêle ses cris:
Qu'est-ce donc qui attriste le coucou
Pour qu'il chante toute la nuit ?

Samidare no
Sora mo todoroni
Hototogisu
Nani wo ushi to ka
Yo tada nakuramu

Ces deux poèmes sont extraits du Livre III, Poèmes d’été.



430. Ono no Shigekage
Mandarinier (tachibana).

Comme le nuage
Qui va, s’écartant du mont
Où l’on traine les pieds,
Je n’ai en ce bas monde
Nul abri définitif

Ashihiki no
Yama tachihanare
Yuku kumu no
Yadori sadamenu
Yo ni koso arikere


450. Takamuko no Toshiharu
Usnée (sagarikoke)

La couleur des fleurs
N'est profonde que le temps
De leur brève splendeur ;
La rosée les a teintes
Tant et tant de fois pourtant

Hana no iro ha
Tada hito sakari
Kokeredomo
Kahesugahesu zo
Tsuyu ha somekeru  


52. Le prince Kagenori
Bambou de rivière (kahatake)

Dans la nuit noire
À moitié passée, elle décline
La lune éternelle ;
Rends-la nous de ton souffle,
Ô vent d'automne des monts !

Sayo fukete
Nakaba takeyuku
Hisakata no
Tsuki fukikahese
Aki no yamakaze

Ces trois poèmes sont extraits du Livre X, Noms des choses

Kokin waka shû, Recueil de poèmes japonais d’hier et d’aujourd’hui, édition bilingue, traduit, présenté et préfacé par Michel Vieillard-Baron, deux préfaces de Ki no Tsurayuki et Ki no Yoshimochi, Éditions Les Belles Lettres, 2022, 520 p., 25€


Annonce du livre par l’éditeur, les Belles Lettres
« Cette semaine, une merveille de l'art poétique fait son apparition dans notre collection Japon, le Kokin waka shû (dont le titre est aussi plaisant à dire à haute voix que le contenu est beau). Publié pour la première fois intégralement en français grâce au travail de Michel Vieillard-Baron, cette anthologie compilée en 905 sur ordre impérial, rassemble la fine fleur de la poésie de l'époque. Plus de cent auteurs, dont un nombre important de femmes, égrènent les jours et les saisons ou évoquent pudiquement leurs amours par des évocations subtiles de la nature. Les deux préfaces qui agrémentent le volume attestent de son inscription comme classique des classiques dans l'imaginaire poétique japonais. Voici un recueil qui pourra vous accompagner tout le long de l'année, du soleil levant au point du jour . »

Prière d’insérer :
Ce recueil constitue la première des « anthologies de poèmes en japonais compilées sur ordre impérial » (chokusen wakashû). En 905, l'empereur Daigo en ordonna la compilation qui fut confiée à quatre éminents poètes : Ki no Tomonori, Ki no Tsurayuki, Ôshikôchi no Mitsune et Mibu no Tadamine. En cette période de pleine renaissance de la poésie nationale (waka), le propos était de réunir les meilleurs poèmes composés depuis le Man.yôshû (milieu du VIII s.). Sans doute achevée vers 913, l'anthologie rassemble mille cent onze poèmes, presque tous des tanka (poèmes de 31 syllabes), représentant un siècle et demi de création poétique. Parmi les cent vingt-deux poètes, on relève la présence de vingt-six femmes.
Plus qu'une anthologie, le Kokin wakashû est une œuvre au sens plein du terme, dont le propos et la structure sont parfaitement concertés. Les poèmes sont des matériaux grâce auxquels les compilateurs ont élaboré une œuvre originale. Ainsi ne sont-ils pas rangés par ordre chronologique de composition, ni regroupés par auteurs, mais distribués par sujets, et rangés de façon à suggérer le déploiement d'un thème. Des vingt livres qui constituent l'ensemble, les six premiers ont pour sujet les saisons (livres I et II : le printemps ; livre III : l'été ; livres IV et V : l'automne ; livre VI : l'hiver) ; chaque moment de l'année est traité à travers les sujets fixés par la convention : successivement, dernière neige, fauvette, prunus, jeunes herbes, etc.
Le Kokin wakashû comporte aussi deux préfaces, l'une en chinois (celle de Ki No Yoshimochi) et l'autre en japonais, celle de Ki No Tsurayuki. Dans cette dernière, sorte de manifeste, sont revendiquées les vertus de la poésie japonaise : moyen d'expression naturel, capable de toucher tous les cœurs, dans ce monde comme dans l'autre, elle a ses lettres de noblesse, puisque son origine remonte à l'âge des dieux. La préface de Tsurayuki peut être considérée comme le texte fondateur de la réflexion poétique japonaise.

Sur le site des Belles Lettres
« La poésie du Yamato a pour semence le cœur humain et s’épanouit en une myriade de feuilles, les mots. » Le Recueil de poèmes japonais d’hier et d’aujourd’hui est la première des anthologies de poèmes en japonais compilée sur ordre impérial, vers 905. Il a marqué de manière définitive la sensibilité nationale par l’attention extrême qu’il porte au déroulement des saisons et de l’amour. Son influence sur la littérature postérieure est considérable.
Le Recueil rassemble mille cent onze poèmes, de plus de cent auteurs, y compris des femmes, représentant un siècle et demi de création poétique. C’est une œuvre originale, dont le propos et la structure sont parfaitement concertés.
Cette traduction intégrale, soigneusement annotée, est la première en français.

Le traducteur
Michel Vieillard-Baron est professeur à l’Inalco et chercheur à l’Institut français de recherche sur l’Asie de l’Est (IFRAE).Ses travaux portent sur la poésie japonaise classique, son esthétique, ses usages, ainsi que sur les rapports entre pouvoir et poésie. Il a publié en 2015 aux Belles Lettres Recueil des joyaux d’or et autres poèmes, traduction d’un manuscrit poétique conservé au Musée Guimet, et en 2022 le Kokin Waka Shû, ecueil de poèmes japonais d'hier et d'aujourd'hui.

Ecouter quelques extraits bilingues :

Kokin Waka Shû. Recueil de poèmes japonais d'hier et d'aujourd'hui