Poezibao

(Reportage) Exposition Antonin Artaud par Ernest Pignon Ernest, par Isabelle Baladine Howald

 

"Je me saisis de l’image des poètes de la même façon que j’utilise des images mythologiques ou religieuses, comme des mythes laïques, des icônes païennes. Ceux qui, coûte que coûte, ont voulu, à la suite de Hölderlin, habiter le monde poétiquement. Leur portrait comme un signe culturel témoigne souvent combien ils ont incarné les aspirations, les drames, les tensions qu’ils ont traversés, combien ils portent les stigmates de leur époque. Comme si leur visage disait tout leur destin. En tout cas, j’essaie d’œuvrer à ça. Quand la poésie refuse d’être un ornement, elle garde trace des expériences vécues et des risques pris. Elle dit le réel mais en le révélant comme plus vaste, et d’une prodigieuse intensité. Elle conjugue visible et invisible, sursauts intimes et songes partagés. Elle s’impose comme le chant profond des vivants qui ne renoncent pas aux effractions, aux abîmes, aux combats, ni aux enchantements de la vraie vie. "
Ernest Pignon Ernest

Voici ce que dit le peintre au sujet de ces saisissants portraits d’Antonin Artaud qu’il expose (visible actuellement jusqu’au 10 octobre à la Galerie Chantal Bamberger à Strasbourg).
Que voyons-nous ?
Le visage d’Artaud devenu le Momo, c’est-à-dire déclaré fou, délirant, enfermé et éructant des années encore nous apparaît sous le trait précis du grand Ernest Pignon-Ernest, cet artiste si modeste et si amoureux des poètes. On lui doit en effet, outre ceux d’Artaud, les célèbres silhouettes de Rimbaud affichés sur les murs de Paris, l’homme aux semelles de vent, que le peintre a su rendre comme un ultra contemporain, un rêveur et un furieux en même temps, ou de Genet, ou encore de Pasolini en crucifié de lui-même, se portant dans ses bras comme une provocation mystique autant qu’un hommage.
Le jeune Artaud était magnifique (on le voit notamment dans le Napoléon d’Abel Gance ou dans la Jeanne d’Arc de Dreyer mais celui qui se décrivait comme « le pèse-nerf » a laissé la folie détruire son visage, le creuser, enfoncer ses yeux et faire tomber ses beaux cheveux.
Comme le dit le peintre, il s’intéresse à ceux qui « coûte que coûte, ont voulu, à la suite de Hölderlin, habiter poétiquement le monde. »
Et il leur en coûte le plus souvent très cher.
On rêve d’un portrait d’Hölderlin fait par Ernest Pignon-Ernest, collé près de la cathédrale de Strasbourg où il passa avant de rejoindre Tübingen et passer 36 ans de sa vie enfermé, diagnostiqué schizophrène.
Artaud, lui, n’était pas au bord du mutisme, au contraire, il hurlait !
Rien donc, comme le dit, le peintre, d’un ornement, ni pour lui, ni pour les poètes. Il cherche la chair et l’os derrière le voile (voir ses somptueuses Pietà…).
Pour Artaud, c’est encore plus vrai que pour bien d’autres.
Nerf vivant sur pied, il est saisi par cette main sûre qui creuse encore ce que le poète a laissé lui-même creuser de gouffres en lui. Cette main qui, nous explique Chantal Bamberger, directrice de la galerie, tenait toujours un clou qu’il passait, voire enfonçait, sur ses vertèbres, pour se soulager de la douleur… : « je suis un insurgé du corps »

Ernest Pignon-Ernest avait eu l’opportunité de peindre sur les murs très abimés de la buanderie de l’hôpital d’Ivry où fut enfermé Artaud. Ce qu’il y voit (« bouches, orbites, cicatrices ») lui rappelle les propres dessins d’Artaud et fut son point de départ
Une estampe, des photographies et une autre, montée sur aluminium, du dessin fait à Ivry dans la galerie montrent ce nu au clou de dos. Les autres œuvres sont des dessins au crayon, à la pierre noire, des encres, des gravures, un fusain et lavis et d’autres estampes numériques.
On y distingue encore parfois la beauté du jeune Artaud, tout en voyant arriver les prémisses de la dévastation, la tête de mort sous les traits de plus en plus accentués, la bouche qui grimace, la fureur qui l’habite, la tension des mains tordues l’une dans l’autre, parfois la résignation et même l’approche de la mort dans ce beau tableau d’Artaud couché à même le sol… L’ensemble de cet « échange » d’un artiste vers l’autre, comme un hommage, une compassion profonde, dégage autant de force qu’il serre le cœur…
Le « suicidé de la société » reste une figure unique et elle aussi, infiniment contemporaine.
En effet, quelle place pour les poètes, aujourd’hui ? …

Cette exposition est un événement, tant la vérité d’un être est approchée, et pas n’importe lequel, un des plus grands poètes du XXème siècle, par un des plus grands artistes, un des plus grands dessinateurs de notre temps.

Isabelle Baladine Howald

« Antonin Artaud par Ernest Pignon Ernest », jusqu'au 09 octobre 2022.
Du mercredi au samedi de 15 h 00 à19 h 00.
Galerie Chantal Bamberger
16 rue du 22 novembre (1er étage)
67000 Strasbourg
+33 (0)6 10 26 12 52

(Film) Stephen Loye, Je suis sur terre, avec Charles Pennequin, par Romain Frezzato

Ça se passe dans une cantine EDF. Le poète, debout puis allongé, au milieu des travailleurs venus déjeuner, micro à la main, scande de façon itérative cette seule phrase programmatique dont l’itération même donne à entendre sa polysémie : « Je suis sur terre ». Le projet éponyme du documentariste Stephen Loye semble subsumé par cette séquence : montrer le poète sur terre, parmi les êtres, citoyens, travailleurs, spectateurs. D’où une série de scènes dans lesquelles Charles Pennequin est filmé dans la rue, à l’étranger (la Russie), face à des lycéens, dans sa maison d’édition (P.O.L.), des centres de poésie (Avignon). De sorte que l’écrivain est donné à voir dans une continuelle performance. Il aura fallu 5 ans au réalisateur pour bâtir ce portrait de poète. À voir Je suis sur terre, le rapport du performeur à la langue s’éclaire. Il s’agit d’opposer au mimétisme langagier, au carbone communicationnel, une langue punk, la grammaire d’un contre-pouvoir, en somme une contre-langue – comme la revendication d’une liberté de ton et de voix : réinsuffler, par le mantra des mots, du sens. Le corps hors-norme du poète incarne à l’image cette position d’être au monde et sa présence au sein d’un public non-averti (les anonymes des places, des rues, des cantines) rappelle la « joyeuseté » fondamentale, la truculence essentielle, de la forme poétique dans la cité, sa propension à perturber. Dire se mute alors en rituel, avec ce que le terme peut contenir encore d’exploration pulsionnelle, de sauvagerie. Autre originalité de ce précieux documentaire : les séquences s’alternent entre le poète au travail et le metteur en scène dont le corps s’inscrit dès la séquence d’ouverture. De sorte que le film offre (au moins) deux lectures, l’une centrée autour de la figure du poète, l’autre autour de celle du réalisateur. Ce dernier est d’abord filmé dans son obsession pennequinienne, ressassant, entre mentisme et somniloquie, son désir de saisissement de l’auteur, de sa parole, de son identité. Plus tard, accrochant au mur (comme un adolescent son idole) des esquisses glabres (et par-là même manquant de prises) du poète, Stephen Loye semble inviter à une interprétation quasi psychanalytique, comme si, courant derrière Pennequin (symboliquement et littéralement), c’était la figure du père qui s’inscrivait en creux. Du reste, les deux hommes, présents, ensemble, à l’image, jouent d’une certaine ressemblance morphologique, comme si le documentariste devenait à son tour le « binôme » des livres. C’est pourquoi la propre mère de Stephen Loye se retrouve à dire, dans la maison familiale, un texte de Pennequin issu de La Ville est un trou. Le trou, est-ce l’absence du père ? est-ce l’impossibilité à saisir la figure du poète ? Déambulant dans un cimetière du Nord, le motif du trou trouve une nouvelle incarnation lors d’une scène d’anthologie que nous n’évoquerons pas davantage. Disons simplement que la figure du père y resurgit de façon implicite. Par ailleurs, Pennequin offre, avec la perfection qu’on lui connait, une performance inoubliable d’un poème du même ordre, « Petit papa » (Pamphlet contre la mort, P.O.L., 2012) : « papa, mon petit papa, mon petit papa pourquoi tu t'es laissé avoir, pourquoi tu t'es fait rétamer par la vie, par tout ce qui t'a pourri l'existence, pourquoi petit papa, pourquoi tu t'es fait traiter plus bas que terre dans l'existence mon petit papa, pourquoi même moi je t'ai pas parlé, je t'ai pas regardé, je t'ai pas vu… » Isolé dans la campagne, le poète lance un appel sous un ciel sans transcendance. L’émotion ne vient pas seulement du texte. Là, dans ce presque non-lieu, quelque chose se dit qui passe non seulement par les mots choisis, leur agencement, mais aussi par leur énonciation, leur babillement, leur labialisation. Dans ce désert rural où se perd la parole, le parleur cherche qui l’entend, ce papa dont la syllabe, inévitablement redoublée, dit haut et fort son inhérente néantisation, son pas, son pas à pas, son pas là, pas du tout.

Romain Frezzato

Stephen Loye, Je suis sur terre, avec Charles Pennequin, Pages & Images, 2019, 4€/9€ (disponible en VOD sur le site CINÉmutins)

(Reportage) Anselm Kiefer pour Paul Celan

 

Plus qu’un dialogue, une symbiose

Inauguration, ce 15 décembre 2021, au Grand Palais Éphémère, à Paris de l’exposition « Anselm Kiefer Pour Paul Celan ».
Très impressionnante exposition, où malgré leurs formats considérables les toiles semblent perdues dans l’infini du désastre, leur thème central, et dans l’ampleur des volumes du lieu d’exposition. Elles se dressent, souvent à la verticale, comme des stèles, couvertes d’une peinture très travaillée, comme labourée et gravées des empreintes des mots des poèmes de Paul Celan. Elles mêlent toutes sortes de techniques qui fusionnent avec l’écriture même de Kiefer, transcrivant les mots des poèmes de Celan, acrylique, huile, gomme-laque, métal, résine et craie. Aucun conflit ici entre les mots et la peinture, ils sont matières et signes liés vitalement. Signes de la catastrophe, signes de la détresse, traces comme seules possibles de ce qui est arrivé. On n’est pas ici en présence d’un dialogue mais plutôt d’une sorte de symbiose entre deux mondes, celui de la poésie et celui de la peinture.

Sous les voûtes du Grand Palais Éphémère se répondent, comme de loin en loin et comme signaux dans l’obscurité dix-neuf toiles de très grand format, des installations et des sculptures. Une guérite sous verre, des étagères qui font songer à celles sur lesquelles étaient entreposées, à Dresde, les pierres calcinées de la Frauenkirche, rescapées du terrible bombardement. Sur ces étagères, des caisses-tiroirs remplies de terre, de cendres, de végétaux secs, avec des inscriptions à la craie, sans doute extraites de poèmes de Celan. Les poèmes de Celan, on l’a dit sont aussi comme gravés dans la toile, dans la matière des immenses tableaux, tandis que l’on s’interroge sur le grand avion en papier mâché (?) avec sur ses ailes des livres brûlés.

« L’œuvre de Paul Celan a sans cesse été présente dans les peintures d’Anselm Kiefer, depuis l’adolescence et la découverte du poème Todesfuge (Fugue de mort), et se poursuit jusqu’à aujourd’hui avec ce nouvel ensemble de peintures. Dans les extraits de son journal rédigés pendant la préparation de l’exposition au Grand Palais Éphémère, Anselm Kiefer écrit :

Celan ne se contente pas de contempler le néant, il l’a expérimenté, vécu, traversé.
(...)
la langue de paul celan vient de si loin, d’un autre monde auquel nous n’avons pas encore été confrontés, elle nous parvient comme celle d’un extraterrestre. nous avons du mal à la comprendre.

nous en saisissons ça et là un fragment. nous nous y accrochons sans jamais pouvoir cerner
l’ensemble. j’ai humblement essayé, pendant soixante ans. désormais, j’écris cette langue sur des
toiles, une entreprise à laquelle on s’adonne comme à un rite.
(...)





Photos et reportage © Florence Trocmé, toutes les photos sont agrandissables par simple clic sur la photo

Anselm Kiefer
Pour Paul Celan
17 décembre 2021 – 11 janvier 2022
Grand Palais Éphémère
Place Joffre
75007 Paris
Exposition organisée par la Réunion des musées nationaux - Grand Palais en partenariat avec la Galerie Thaddaeus Ropac -horaires : tous les jours de 10h à 19h, nocturne jusqu’à 21h les vendredi et samedi (sauf les 24 et 25 décembre : fermeture à 19h)
tarifs: 13 € / 10 € (TR)

Alain Lance porte à la connaissance de Poezibao le livre de Youssef Ishaghpour sur Anselm Kiefer, livre sorti trois semaines après la mort de son auteur. Kiefer, la ruine au commencement, image, mythe et matière, éditions du Canoé,  2021, 512 p., 24€.

(Anthologie permanente) et (reportage), Hommage à Friederike Mayröcker, par Jean-René Lassalle

 

La grande dame de la poésie autrichienne Friederike Mayröcker nous a quittés cette année (le 4 juin). En France elle est éditée par L’Atelier de l’Agneau de Françoise Favretto et traduite actuellement par Lucie Taïeb.
Le 6 novembre s’est tenu à la Maison de Littérature de Halle-sur-Saale un atelier de traduction et une soirée polyphonique en plusieurs langues par ses traducteurs Juliana Kaminskaya (russe), Donna Stonecipher (américain), Tania Petric (slovène), moi-même (français) et des membres du collectif berlinois de traduction Junivers (Ton Naaijkens en néerlandais, Douglas Pompeu en brésilien, Valentina Di Rosa en italien, Ali Abdollahi en persan, Abdulkadir Musa en kurde).
Ainsi nous avons tenté de recréer dans notre langue, pour nous-mêmes ravis et pour des lecteurs et lectrices que nous espérons intéressés, sa danse de pensée. Sa voix au « je » élégiaque dont le pathétique est brisé par des incrustations. Ses répétitions cubistes aux variations musicales. Son flot d’images et de collages kaléidoscopique qui reste étonnamment soyeux. Ses personnages abréviés qui reviennent comme fantômes. Ses réflexions sur le vieillissement emportés par une recherche d’extase contrôlée. Ses phrases fragmentées qui butent sur la concrétion de composés linguistiques imaginaires (« rêves verbaux » qu’elle dit inventer pendant son sommeil, lapsus de lecture qu’elle caresse chez Hölderlin ou Derrida et transforme). Les liens à son compagnon (le poète Ernst Jandl) et à sa mère décédés incessamment retissés. Ses métamorphoses de la banalité du quotidien. Sa mélancolie qu’elle sait créative. Ses subtiles torsions typographiques qui font palpiter le texte. Ses invocations de plantes et fleurs. Sa tendresse qui se cache derrière un lyrisme complexe. Ses obsessions. Et malgré les filtres et particularités de nos langues étrangères et de nos personnalités, de rester au plus près de son art littéraire entre prose et poème (« proëme », comme elle le nomme).
L’évènement était organisé avec le traducteur et chercheur Bernard Banoun, l’écrivain et poète Marcel Beyer, l’association de traducteurs TOLEDO d’Aurélie Maurin, le directeur de Lyrikline Thomas Wohlfahrt, le professeur Frieder von Ammon.
Ls trois poèmes suivants de Friederike Mayröcker (qui a écrit et publié jusqu’à la fin de sa vie à 97 ans) ont été traduits à cette occasion.
Pour compléter on pourra, grâce à l’immense audiothèque internationale de poésie Lyrikline, écouter la voix de Friederike Mayröcker disant elle-même un de ses poèmes préférés Was brauchst du, en même temps qu’on lira le texte allemand avec sa traduction française De quoi as-tu besoin. 

-----------------------------


« agnelet égaré enroulé par-dessus ton épaule : quand tu me rapportas la jaquette blanche (que j’avais perdue en chemin). Je vis que tu me rapportais la blanche jaquette qu’en chemin j’avais perdue (enroulée dessus ton épaule), je voyais que tu rapportais la jaquette blanche:le blanc agnelet que tu avais sauvé, je regardais comment d’un pas lent tu me rapportais la jaquette blanche que j’avais en chemin perdue (enroulée sur ton épaule gauche). Comme si 1 agnelet blanc qui s’était égaré tu l’avais protégé c’est-à-dire me l’avais rapporté etc., je te voyais descendre la rue d’un pas lent comme si tu me rapportais 1 agnelet qui égaré…….. tandis que, les os tubulaires roses de la rhubarbe »

pour C.F.
6.7.13

Source : Friederike Mayröcker : Cahier, Suhrkamp 2014. Traduit de l’allemand (autrichien) par Jean-René Lassalle.

»verirrtes Lämmchen über deine Schulter geschlungen : als du mir das weisze Jackett (das ich unterwegs verloren hatte) wiederbrach-test. Ich sah dasz du mir das weisze Jackett das ich unterwegs verloren hatte (über deine Schulter geschlungen) wiederbrachtest, ich sah dasz du das weisze Jackett : das weisze Lämmchen das du gerettet hattest wiederbrachtest, sah dich wie du langsamen Schrittes das weisze Jackett das ich unterwegs verloren hatte mir wiederbrachtest (über deine linke Schulter geschlungen). Als habest du 1 weiszes Lämmchen das sich verirrt hatte geborgen nämlich mir zurückgebracht usw., sah ich dich langsamen Schrittes die Strasze niederschreitend als ob du 1 Lämmchen das sich verirrt mir wiederbrachtest ........ während, die rosa Röhrenknochen des Rhabarber«

für C.F.
6.7.13

Source : Friederike Mayröcker : Cahier, Suhrkamp 2014.

---------------------------------

sur le baiser en langue, au sens de langage

tapé avec gant blanc contre la vitre du
wagon en geste d’adieu pour les amis ceux-ci dehors et
saluant dans la neige, pendant que toujours tapant la main blanche contre
la vitre du wagon comme si 1 dernière fois j’embrassais leur pré-
sence : silhouettes de neige et la nouvelle lune : la grive de
l’hiver, et moi pleurant le désarroi de mon for intérieur tel
une lourde pierre crétoise (il parlait de symphonies et
que dans ce virevoltant décor neigeux des symphonies les solitaires
flocons c’est-à-dire le cristal solitaire dans sa tendresse etc.)
parce que c’est que je me cherche et ne me trouve pas

13.1.2010

Source : Friederike Mayröcker : von den umarmungen, Insel 2012. Traduit de l’allemand (autrichien) par Jean-René Lassalle.


vom Küssen der Zunge, im Sinne von Sprache

getappt mit dem weiszen Handschuh gegen das Fenster des
Wagens als Abschiedsgrusz für die Freunde die drauszen und
winkend im Schnee, während immer noch tappend die weisze Hand gegen
das Fenster des Wagens als küszte ich i letztes Mal ihre Gegen-
wart : Figuren aus Schnee und der Neumond : die Drossel des
Winters, und ich weinend das Verlorensein meines Innersten welches
als schwerer kretischer Stein (er sprach von den Symphonien die einzelnen
Flocken nämlich das einzelne Kristall in seiner Zärtlichkeit usw.)
weil ich suche mich und ich finde mich nicht

13.1.2010

Source : Friederike Mayröcker : von den umarmungen, Insel 2012.

-----------------------------

Supplément le 19.02.2011

je ne bouge pas de cette position dis-je à Rûmî ou à E.S., je
reste assise là en cruauté – accompagne-moi après ma mort encore 1 temps
comme quand je vivais encore cela me ferait du bien. En effet je ressentirai
le perceptible de l’autre monde plus profondément comme si tu tenais
encore ma main, car avec des yeux dégradés j’errerai sur le
dos du lac pour rechercher ta main
(celle-ci constellée de violettes parme…..)

Source : Friederike Mayröcker : ich sitze nur GRAUSAM da, Suhrkamp 2012. Traduit de l’allemand (autrichien) par Jean-René Lassalle.


Supplement am 19. 2. 2011
 
ich rühre mich nicht von der Stelle sage ich zu Rumi oder E. S., ich
sitze nur grausam da – begleite mich nach meinem Tod noch 1 Zeit
wie wenn ich noch lebte das würde mir wohltun. Nämlich ich werde
das Wahrnehmbare der anderen Welt inniger erfahren so als hieltest
du noch meine Hand, weil mit verdorbenen Augen werde ich auf dem
Rücken des Sees umherirren und nach deiner Hand suchen
(welche übersät mit Parmaveilchen . . . . . .)

Source : Friederike Mayröcker : ich sitze nur GRAUSAM da, Suhrkamp 2012.

---------------------------

Rappelons les livres en français de Friederike Mayröcker à L’Atelier de l’Agneau :
Métaux voisins, trad. par Jean-René Lassalle, 2003.
Asile de saints, trad. par Bernard Collignon, 2007.
Brütt ou Les Jardins soupirants, trad. par Hugo Hengl et Françoise David-Schaumann, 2008
Langue de perroquet, trad. par Christophe-Jean Geschwindenhammer, 2013
CRUELLEMENT là, trad. par Lucie Taïeb, 2014
Scardanelli, trad. par Lucie Taïeb, 2017

D’autre part, notons plusieurs études en français sur l’écriture de Friederike Mayröcker :
. dans un cahier de la grande revue littéraire Europe, n°1033 de mai 2015
. dans un numéro spécial de la revue universitaire Etudes Germaniques 2014/4 (n°276)
On retrouvera dans les deux la présence des spécialistes françaises de Mayröcker Aurélie Le Née et Françoise Lartillot.

Et puis, pour les fans : une petite vidéo rare de 1996 à l’Institut Culturel Autrichien de Prague où Friederike Mayröcker lit Was brauchst du dans les deux premières minutes.
(Le titre indique faussement Ernst Jandl, qui vient de quitter les deux auteurs tchèques expérimentaux présents Josef Hirsal et Bohumila Grogerova).

Enfin, pour les germanophones, une belle et émouvante lecture de 20 minutes de Friederike Mayröcker à 92 ans avec des extraits de son livre tardif Fleurs, toujours habillée de noir, ici en plus dans un clair-obscur lui-même presque noir, mais avec une voix claire et un excellent son.

• Friederike Mayröcker dans Poezibao : bio-bibliographie, extrait 1, extrait 2, extrait 3 ,extrait 4 , extrait 5 (présentation de L’Asile des saints), brütt ou les jardins soupirants (parution), extrait 6, ext. 7, (Anthologie permanente) Friederike Mayröcker, extraits de "Scardanelli",  (Note de lecture), Friederike Mayröcker, "Scardanelli", par Jean-Pascal Dubost, (Disparition) Friederike Mayröcker,

Jean-René Lassalle

(Reportages et rencontres) Le colloque Traduction et relation, par Jean-René Lassalle

 

Le colloque « Traduction et relation » à la Haute Ecole des Arts de Berne (5-8 octobre 2021)
compte-rendu de Jean-René Lassalle

TraduiRElation, organisé par Arno Renken, Cléa Chopard, Christoph Roeber et Myriam Suchet, a eu lieu dans l’école des Beaux-arts de Berne qui intègre un Institut de Littérature, et donc conçoit le phénomène littéraire dans une perspective très ouverte esthétiquement et philosophiquement.

Pour Arno Renken, par ailleurs auteur de Babel heureuse (Editions Van Dieren 2012) : « Le projet traduction – relation a pour objectif de porter son attention sur la dimension relationnelle de la traduction. Les évolutions récentes en traductologie ont permis de valoriser la traduction comme moment de différenciation, ce qui implique qu’elle ne se définit plus nécessairement par son degré d’identification à l’original mis apparaît comme une relation d’étrangeté. Le projet cherchera à décrire la traduction à partir de cette relation qui affecte les textes qu’elle relie et la pratique qui les crée ».

Ainsi de nombreuses propositions se sont succédé autour du thème, non pas du texte traduit ou de la pratique traductive (qui furent quand même indirectement évoqués) mais de la « relation traductive » prise au sens large. Interventions soit artistiques, soit conférencières, soit participatives (sous la forme d’ateliers de traduction expérimentale), qu’il s’agirait ici de mettre en relation dans des perspectives de complexité et de complémentarité possible. Lire la suite (l'ensemble du compte rendu est proposé au format PDF plus facile à enregistrer ou imprimer).

(Reportages et rencontres) Les créations sonores d'Alain Marc, par Murielle Compère-Demarcy

Murielle Compère-Demarcy propose ici un voyage dans les créations sonores du poète Alain Marc. Cet essai est ici proposé au format PDF à ouvrir d'un simple clic sur ce lien.

(Reportage) Le Grand Dépotoir de Julien Blaine, par Véronique Vial

Le Grand Dépotoir de Julien Blaine à la Friche Le Belle de Mai 

Homme politique en tant que Christian Poitevin, créateur de la Friche, du CIPM, du Mac à Marseille, parmi d'autres...
Julien Blaine excelle dans le cri de l'éléphant qu'il s'est approprié pour communiquer (contrairement au cri de Artaud qui est une déchirure, celui de julo, est un acte, ou un geste de cohésion, et d'union, qui nous transporte de joie) dans une dimension chamanique.... Entre l'enfant et l'artiste, il reste ses costumes, ses masques, ses lettres typographiées, ses textes... 

Depuis une semaine, à 78 ans, Julien Blaine reçoit ses amis aux grandes tables de la Friche de la Belle de Mai, devant un whisky ou une bouteille de vin blanc, pendant que ses œuvres disparaissent de la salle d'expo, enlevées par ceux qui déambulent dans ce lieu de culture, ouvert gratuitement en ce moment. Artistes, galeristes, jeunes du quartier, retraités de la culture à Marseille, amis d'enfance, touristes, étudiants, chacun vient voir l'expo et repart avec une œuvre ou deux. Aucune œuvre n'est référencée, la salle se vide, devant nos yeux, et l'expo continue...
Au fur et à mesure, plus de 500 pièces ont déjà disparu, sans qu’on sache où elles vont... Au fur et à mesure Julien Blaine expose ses œuvres qu'il prend dans la remise annexe de la salle d'expo, des œuvres grands formats, papiers, toiles, objets, photos, textes imprimés, mobilier, etc... (photos) Qu'il expose, pour une durée éphémère, car ces œuvres partent et quittent le lieu très rapidement.

Le travail artistique et poétique de Julien Blaine lui permet de s'amuser beaucoup, de jouer et rire avec ses amis, surtout dans sa bande marseillaise.
(Marseille est une ville clanique qui préserve son clan, comme une tribu), Il se fâche aussi beaucoup ce qui lui permet de se réconcilier énormément, il est très attaché à sa famille, à ses amis, ce qui l'éloigne du marché de l'art qu'il déteste. Le vernissage a eu lieu le jour du début du confinement, la Friche de la Belle de Mai a fermé à 18h, alors qu'une performance se déroulait dans le lieu de l'exposition.

Après le confinement l'événement a repris, avec des dates annulées, des performances en suspens. Ça va très vite, Julien Blaine est quelques fois dépassé lui-même, par son entreprise, il exprime même de la colère par moment ? Protéger les œuvres dans leur disparition (?) - ami avec Parmiggiani- ou bien les laisser disparaître entièrement et complètement ?
Dans une vie libre.
Un petit drame se joue au quotidien, rappelant un happening du siècle dernier, se répétant tous les jours d'ouverture. Défaire, détruire .... re-questionner l'art ? A partir de là où il est institué, à partir de sa monstration ?

Des sentiments ambigües, quelque chose de la performance, qui perfore le concept même de l'exposition, tout en restant dans le cadre de celle-ci. C'est une sorte de rétrospective à l'envers, revenir au point d'origine ? Un travail d'écriture sur le concept d'origine avec Gilles Suzanne, professeur en Esthétique à l'Université d'Aix Marseille, est en cours. 

Un grand paradoxe cher à l'art s'exprime dans cet univers culturel, que Julien a lui-même mis en place il y quelque années, une scène soulevant ainsi, non seulement les problématiques chères à la Performance, et au Happening, mais aussi celles qui hantent l'art depuis la fin du 19ème, questionnant l'espace de l'œuvre, et de la galerie, lieu ou non-lieu. 

Re-venir sur la question de l'espace d'exposition, du spectateur-acteur, de la déambulation, des règles du jeu, du white cube, de la mise en dérision -du marché de l'art en l'occurrence-, de l'humour excédé, du jugement esthétique, du hasard, de la validation de l'œuvre ... etc... Autant de choses incontrôlées, et incontrôlables, qui sont mises à l'épreuve, et "dés jouées". Demain que restera-t-il ? nous n'en savons rien .... Julien Blaine non plus.
Une salle vide -f aisant penser à une allégorie du vide de Yves Klein ? - graphée sur ses murs par l'artiste pour comptabiliser les départs de ses œuvres. En réponse à Banksy qui est présent dans la projection vidéo à l'entrée de l'expo ?

Il y a chez Julien Blaine, un africain, un chinois, un Zorro, un indien, un japonais, un esquimau, un américain, un trappeur, un éboueur, une femme de ménage, un âne, un éléphant, un tagueur, un poète, un artiste, un homme de lettre et de culture, un homme politique, un ami qui m'engueule, etc. ... Toutes sortes d'identités, faisant de lui l'image même de l'artiste contemporain qui existe dans son corps-œuvre, se baladant au travers des classifications.

Véronique Vial

(Reportage) 250ème anniversaire de la naissance de Hölderlin, par Jean-René Lassalle

 

L’anniversaire de Hölderlin

« A quoi bon des poètes en temps de détresse ? » (Wozu Dichter in dürftiger Zeit?) dit Friedrich Hölderlin né le 20 mars 1770. Sa poésie veut exprimer une recherche de beau-bien-vrai dans la destinée humaine par une musique de langage rédimante. Sa biographie d’étoile filante incomprise et dramatiquement crashée a fait rêver.
Pour ce 250ème anniversaire de sa naissance, de nombreux évènements, lectures et concerts sont prévus en Allemagne cette année, qui auront lieu selon les possibilités ou seront reportés ou disponibles dans des médias enregistreurs (radio, internet, TV).

Laissons ici de côté l’énorme et intimidante littérature secondaire que ce poète magnifique mais difficile à populariser a suscitée. Évoquons tout de même l’essai Hölderlin et l’essence de la poésie du philosophe Heidegger (1937) qui en tire une de ses maximes : « C’est poétiquement que l’être humain habite sur cette terre », étrangement trouvée dans un poème attribué à Hölderlin collecté par le jeune poète romantique Wilhelm Waiblinger qui le visitait dans sa vieillesse en 1822 pour capter les restes de son énergie visionnaire. Traversons le malheureux détournement de quelques-uns de ses textes les moins intéressants (comme Tod für das Vaterland, patriotisme imaginaire pour un pays qui n’existe pas) par l’horrible régime nazi qui se cherchait des alibis culturels, et qui ne réussit pas à salir ce poète enthousiasmé par les idéaux démocratiques de la révolution française et dont Paul Celan gardera le souvenir après la 2ème guerre dans son Tübingen, Jänner.

Si on devait donner un fil d’Arachné pour entrer dans son œuvre, on commencerait après 1794, après les hymnes emphatiques de sa jeunesse où il partagea une chambre d’étudiant avec le futur philosophe Hegel, afin d’observer comment l’amour réciproque humanise un poète penseur lorsqu’il rencontre sa muse Diotima (dont la mort sera un des grands chocs de sa vie) dans son lyrisme du temps de leur liaison. Puis les « chants de nuit » avec son petit poème devenu classique Hälfte des Lebens qui s’avèrera marquer effectivement une bouleversante « moitié de la vie » dont la deuxième partie serait tragique. Mais d’abord voici les grandes élégies errantes (Pain et vin / Brot und Wein) où il tente un syncrétisme émancipateur entre la pensée solaire de la Grèce antique et la philosophie de l’idéalisme allemand et du christianisme. Peu à peu on lit une langue métamorphosée à la syntaxe nuageuse et une ambiance de beauté douloureuse aboutissant à des transes méditatives (Patmos, Mnemosyne). Enfin, d’autres chocs biographiques (arrestation de son ami pro-révolutionnaire Sinclair, interrogatoire pour conspiration, traitements dévalorisants en clinique psychiatrique) le conduisent à habiter la tourelle de la maison du menuisier Zimmer qui s’occupera de lui avec sa fille durant toute sa deuxième « moitié de vie ». C’est l’époque où considéré comme fou il écrit ses quelques dernières strophes ramassées sur ses pas de promeneur devenus modérés se fondant dans la nature, qui portent souvent pour titre le nom d’une des quatre saisons, terminant régulièrement par « Humblement » et se cachant derrière un pseudonyme, « Scardanelli », refusant son vrai nom : poèmes jugés secondaires comparés à ses grandes œuvres mais d’une émouvante limpidité.

L’anniversaire de Hölderlin permet aussi de (re)découvrir les artistes influencés par lui.
D’abord les musiciens, du Schicksalslied de Brahms à Fragmente-Stille, an Diotima de Luigi Nono, ont été nombreux à s’inspirer du poète pour des chœurs, mélodies et lieder : Britten, Ligeti, Kurtag, etc. Les plus étonnants sont trois compositeurs qui ont travaillé plusieurs années sur de vastes œuvres. En 1960 l’Italien Bruno Maderna commence son Hyperion (d’après le roman poétique de Hölderlin) une œuvre symphonique avec voix et électronique dont les parties peuvent s’interpoler, aboutissant à une hydre sonore chaotique où surnage une flûte symbolisant le personnage du poète (puisque Hölderlin avait appris à en jouer avec le virtuose aveugle Friedrich Dülon).
Plus minimaliste, le cycle de Hans Zender Hölderlin lesen vers 1980, tout en fragments, brisures et silences, confronte le quatuor à cordes Arditti avec la dramatique diseuse Salomé Kammer. Enfin les complexes chœurs du suisse Heinz Holliger pour le Scardanelli-Zyklus terminé en 1991, remodèlent les poèmes tardifs sur les saisons, renouant le fil de la flûte.
Les cinéastes également ont voulu mettre en images mouvantes vie ou œuvre du poète. Le film Hälfte des Lebens de Herrmann Zschoche est centré sur l’histoire d’amour entre Hölderlin et Diotima avec la fine interprétation de Ulrich Mühe, une production étonnante sous le régime communiste de RDA (1985). Plus excité, l’érotique Feuerreiter (Le cavalier de feu) de Nina Grosse présente un Hölderlin bisexuel (1998). Tandis que Harald Bergmann voue une trilogie au poète, dont la troisième partie Scardanelli, avec l’excellent acteur français André Wilms, désire éclaircir le long retour à pied de Hölderlin depuis Bordeaux vers l’Allemagne en n’employant aucun texte inventé et se servant de témoignages, lettres et rapports de l’époque (une thèse étant que Hölderlin y fut peut-être attaqué et laissé pour mort, précipitant une psychose). Dernièrement ARTE a aussi produit un nouveau documentaire Friedrich Hölderlin. Un poète absolu (2020) qui restera dans sa médiathèque, du 25 mars au 22 juin 2020. Une place d’exception occupe le film de Danièle Huillet et Jean-Marie Straub Der Tod des Empedokles (La Mort d’Empédocle) (1986) mettant en scène lente dans la nature méditerranéenne, quasi-statique si ce n’est un insecte, une brise, ou les voix hiératiques de récitants antiques sensibles, la tragédie en vers écrite par Hölderlin sur le philosophe des 4 éléments qui se serait jeté dans l’Etna.
Finalement citons des poètes ayant écrit au moins un cycle ou un livre entier sous le signe de Hölderlin. Par exemple deux poètes récents, Jose FA Oliver et Mikael Vogel avec leur plaquette à quatre mains zum Bleiben, wie zum Wandern – Hölderlin, theurer Freund (2020). Puis Hölderlin-Reparatur de Gerhard Falkner (2008) qui infuse d‘atmosphères hölderliniennes son paysage urbain. Et encore la série H.Ö.L.D.E.R.L.I.N. du Hongrois Endre Kukorelly (dans Je flânerai un peu moins, Editions BIPVAL 2008). Ensuite les Hölderlin Hybrids en anglais de Rosmarie Waldrop (2003) dont les fragments méditatifs ricochent sur un concept ou un écho du poète (les dieux…). Et enfin Scardanelli de Friederike Mayröcker (2012), où la poète autrichienne à 80 ans semble jouer du masque de Scardanelli pour continuer à écrire sa propre poésie dans le grand âge, résonnant parfois de quelques mots du Souabe.

Le printemps permettra bien de visiter son lieu de vie, la Tour Hölderlin (Hölderlin-Turm) à Tubingen, qui vient d’être rénovée et rouverte avec une exposition permanente interactive.
Au moins on pourra évidemment lire Hölderlin lui-même, sur le web ou plus idéalement dans un livre : l’édition Pléiade de Philippe Jaccottet, le recueil abordable de Gallimard Poésie, les poèmes tardifs en poche chez Points Poésie, ou une grande anthologie bilingue chez La Différence, parmi d’autres éditions.
En écoutant des réponses que les artistes comme Hölderlin nous donnent aux temps de détresse.

*

Rosmarie Waldrop : extrait de Hölderlin Hybrids 

Inexplicable oubli 3

Peut-être le passé est-il suffisant pour le passé et tous ses habitants. Ils n’ont pas besoin d’être tirés de leur état de retraite. Mais si je répète sans savoir que je répète ? Suis-je dans mon propre corps ?

Ou le passé est-il, comme les dieux, sans émotion ? et tente-t-il d’atteindre nos sentiments pour ne pas devenir transparent ? Comme une femme non regardée ? S’effaçant entre les pages des Contes de Grimm ?

Cependant que souffle après souffle la maison brûle et sous les décombres nous engloutit. Et de grands corps de pensée se désagrègent. Et aucune forme qui leur soit identique n’apparaît plus jamais à la surface de la terre.

Pourtant d’amour avec douceur d’été des traces flottent en les artères comme d’amples bateaux. Transportant trousses de survie puisque le corps est adapté. C’est seulement quand les défenses du cerveau sont abaissées comme dans les rêves que nous sombrons dans le flot pur.

À la façon dont Madame Blavatzky immergeait son corps dans le Gange et, d’après Yoel Hoffmann, dédiait une prière aux plantes. Sans songer à l’histoire de la terre avec ses règnes de silence et long sommeil.


Source : Rosmarie Waldrop : Blind Sight, New Directions 2003. Traduit de l’anglais (américain) par Jean-René Lassalle.

*

Friederike Mayröcker : extrait de Scardanelli

quand tu prononces cela dit Elke Erb je vois des cheveux d’anges ap-
paraissent des cheveux d’anges à moi dans la sapinaie qui en fait avec div. pins
qui se dressaient étroitement réunis dans la forêt sombre ordonnés secs
bruissante la rivière la bouche-de-femme c’est une plante comme la prunelle
engloutie plus tard l’Abondance Générale des Larmes de
ce monde quand du ciel se déverse une vague plus claire
les forêts sans flor (brebis) les ondines ainsi allongée
dans ses bras moi c’était un spectacle dit Elke Erb au
téléphone dans une sapinaie j’ai vu que les cheveux d’anges (aux div. sommets
des montagnes et forêts aux prunes parfumées et lierre) respirant à plaisir
puis dans un océan de sauvagerie grise la 1è fleur (d’îles)
les prémices la primevère clé du ciel crocus chancelant
hors la terre quand avec mère (en habit gris) dans ce
jardin où les herbes perçaient : cette seule image à
P. comme des violettes hépatiques dans ce jardin : assez étrange
cette seule image tout le reste effacé en moi cette seule image
mère en habit gris et elle, main dans la main
(« 1 tortillon emmailloté online 1 lueur de lampe dans mon lit quand je
me réveillai, la pergola de vigne blanche et clématite, 1 fiévreuse
tempête de Danube dans les prairies de l’air, c’était Beth Bjorklund qui dit, je
reviens (« petit jésus… »))
et empli de bosquets toujours verts comme quand un jour vers cette délicieuse
ville de Florence depuis une colline j’abaissai mon regard / pourtant et au nombre
des vieillissants déjà l’on me compte bien que plutôt je vou
drais me joindre à de plus jeunes (Rose de ses joues)

Scardanelli

12.2.08

Source : Dossier Friederike Mayröcker dans la revue L’Intranquille n°2, 2012. Traduction de l‘allemand par Jean-René Lassalle
(Le cycle complet est paru en livre en français : Friederike Mayröcker : Scardanelli, Atelier de l’Agneau 2017, traduit par Lucie Taïeb.)

*

Sitographie musicale :
La première partie du cycle Hyperion de Bruno Maderna
Un extrait du Hölderlin Lesen de Hans Zender
« Winter III » de l’œuvre chorale Scardanelli-Zyklus de Heinz Holliger


Jean-René Lassalle

(Reportage) Ce jour de 2005, à Lyon, Antoine Emaz, par Catherine Goffaux

Catherine Goffaux a envoyé à Poezibao ce reportage rédigé de mémoire à l’automne dernier où elle se souvient d’une lecture donnée par Antoine Emaz à Lyon, en 2005

Alors qu’approche le premier anniversaire de la mort d’Antoine, le 3 mars 2019, le site Poezibao est heureux de publier ce texte

Antoine Emaz à la Bibliothèque municipale de Lyon, en 2005,
pour une « Scène poétique »,
en compagnie de Béatrice de Jurquet.

La salle bruisse doucement des conversations étouffées de ceux qui sont arrivés en avance. La scène est faiblement éclairée, c'est tant mieux : pour le moment, on ne distingue pas encore combien la moquette est élimée, le mobilier, rafistolé, combien les murs sont devenus gris avec le temps, les tresses de câbles électriques, apparentes. La lumière monte, le poète invité franchit la porte en fond de scène. Un chuintement métallique violent fait sursauter tout le monde. La salle sombre dans un noir absolu, où ne brillent que les boîtiers verts des sorties de secours. Briquets et portables s'allument. Woodstock... si les portables avaient existé à l'époque. Le public s'agite beaucoup mais ne s'énerve pas. La silhouette à peine discernable du technicien court de la régie à l'estrade, et retour. Survolté, furieux contre lui-même mais aussi contre la vétusté des lieux, il jure à voix basse. Au bout de quelques minutes, le gardien annonce que tout le quartier est plongé dans le noir, et que « ça va revenir ». « Ça » revient, mais l'installation de la salle de conférences n'a pas survécu à la coupure. Déclarer forfait ? C'est hors de question. Conseil de guerre, en vitesse. « On se replie où ? » Le bâtiment est vaste. Alors, les auditeurs, sur la consigne d'une collègue à l'esprit bien plus pratique que le mien, forment une longue chaîne et font gravir quatre étages à une centaine de chaises, jusqu'à une salle donnant sur le ciel, qui a accueilli un séminaire dans l'après-midi et dont les tables sont encore disposées comme dans une salle de classe. Le renfort de chaises est déposé dans un tumulte de pieds en métal, qui valsent au nord, à l'est, au sud, finissent enfin par s'orienter tous dans la même direction... vers le poète qui s'assied, d'un sourire, impose le calme, remercie pour le plan B et entame sa lecture. Ce poète aux titres de circonstance – « Poème maigre », Poème temps d'arrêt, « Poème, ça passe », « Poème, un temps mort » – est désormais très recherché, les plombs sautent quand il apparaît, il est ce soir le poète de la décroissance.
            Il n'a pas eu à lire à la lumière d'une bougie, mais il n'a pas été enregistré, faute d'équipement adéquat dans cette salle-là. Sa lecture n'a été qu'un moment fugace dont, alors même qu'il s'exécutait, nous ne savions pas si ce que nos mémoires en conserveraient serait la beauté du texte, la cordialité de la personne, ou cette longue chaîne de rires et de chaises escaladant les escaliers dans le silence de la Bibliothèque désertée par son personnel et ses lecteurs.
            Nous nous acharnons à enregistrer, mettre en ligne, dupliquer, cataloguer les copies, les stocker, les conserver, mais qui les regardera ? Comment éprouver ou retrouver le charme d'un tel moment seul devant l'écran de son ordinateur ? Et ces enregistrements, dureront-ils ? Ne passeront-ils pas comme l'ont fait nos fax et nos photocopies d'autrefois ? Ne deviendront-ils pas si nombreux, qu'accablés par leur masse, nous les délaisserons ? Le goût des archives enregistrées n'est-il pas spécifique à notre génération, encore émerveillée par le fait que l'on puisse tout enregistrer partout et tout le temps ? N'aurons-nous pas envie d'oublier ? N'aurons-nous pas envie de décider que cela s'est déposé en nous, que rien n'est effacé, que l'on n'y a simplement plus accès, mais que cela, en son temps, nous a constitués, et pour longtemps, et définitivement.

Catherine Goffaux, 16 octobre 2019

Photo, Antoine Emaz en 1996, ©Jean-Marc de Samie

(Reportage) Remise du Prix Etienne-Dolet de traduction - Sorbonne Université à Marc de Launay

 

Remise du prix Etienne Dolet de traduction à Marc de Launay

Ce lundi 30 septembre 2019, à la Sorbonne, a eu lieu la remise du prix Etienne Dolet de traduction* à Marc de Launay. La laudatio a été prononcée par Bernard Banoun, président du jury de ce prix qui désignait son lauréat pour la troisième fois (après Jean-Baptiste Para et Mireille Gansel). C’était aussi hier la Saint Jérôme, patron des traducteurs et la journée mondiale de la traduction. On a noté la présence de Michel Deguy, Bruno Clément, Marc Crépon ou encore Pierre Judet de La Combe.
Bernard Banoun a présenté l’œuvre de Marc de Launay en la plaçant sous le double signe de la traduction et de la recherche. Le traducteur a traduit relativement peu de littérature (mais il faut citer néanmoins quelques traductions de Rilke, Handke, Kafka ou encore Schönberg pour un livret d’opéra). Car c’est surtout dans le domaine de la philosophie et de l’histoire des idées qu’il a travaillé, inlassablement, à faire connaître nombre de philosophes allemands : Adorno, Arendt, le « trio » Rosenzweig/Scholem/Buber, Habermas, Husserl, Nietzsche, Hermann Cohen, Léo Strauss, Cassirer, Rickert, Popper. Il a ainsi contribué à faire connaître en France tout un pan de la pensée allemande très occultée du fait des deux guerres mondiales.
Marc de Launay a ensuite présenté lui-même son travail et son expérience de traducteur, en montrant dans un premier temps comment sa génération (il est né en 1949) a vu naître la traductologie et aussi les grandes associations qui ont promu le travail de traducteurs comme l’ATLF (puis Atlas, Les Assises d’Arles, etc.). Il a parlé de ses maîtres, depuis son professeur d’allemand au lycée qui l’a confronté au Faust de Goethe et à la scène où Faust s’interroge sur le Prologue de Jean. Mais aussi de Paul Ricoeur, dont il évoque le travail de traduction, en cachette, de Ideen I d’Husserl à l’Oflag, en Poméranie, pour en déduire que l’on peut traduire en plein désespoir. Il reviendra d’ailleurs à plusieurs reprises sur la disposition psychique particulière engendrée par le travail de traduction. Il évoque aussi l’importance fondamentale pour lui de la Grammaire comparée de l’allemand et du français de Jean-Marie Zemb ou de l’école de Lille, Jean Bollack, Heinz Wissmann et Pierre Judet de La Combe. Il sera question aussi plusieurs fois d’Henri Meschonnic, de Jean-René Ladmiral et d’Antoine Berman dont il finira par s’éloigner en raison de divergences sur la traduction de Freud. Il rend compte par ailleurs de la situation misérable des bibliothèques et des librairies (très peu de livres de poche encore) à l’époque de ses études, le fait qu’on ne trouvait pas les livres sur lesquels on avait cours et que pour lire, il fallait traduire.
On l’a dit, plusieurs fois Marc de Launay a parlé de la disposition psychique très particulière propre à la traduction, qui pour lui stérilise toute tentative d’écriture, dans le même temps. Il l’a comparée à un acte calligraphique : elle s’écrit d’emblée comme un coup de pinceau. Avec une forte insistance sur la matérialité du texte, la traduction devenant alors une sorte d’interprétation réalisée. Il a défendu l'idée que la traduction philosophique est aussi fondamentalement une traduction littéraire (pour ne pas dire poétique), attentive au rythme, au souffle, à l'univers d'images du texte.
On rappellera pour conclure le compte rendu de cette très belle soirée que Marc de Launay a publié un livre intitulé Qu’est-ce que traduire ?
Florence Trocmé

*Placé sous l’invocation d’Étienne Dolet, grand humaniste du XVIe siècle, traducteur et auteur du premier traité de traduction en français, ce prix vise à attirer l’attention du public sur l’apport essentiel de la traduction à la culture et aux savoirs.
Le jury est composé d’universitaires et de journalistes spécialistes des échanges entre les langues et des questions de traduction.
Composition du jury : Bernard Banoun (président), Guillaume Métayer (secrétaire), Yann Migoubert (Service culturel de Paris-Sorbonne), Pascal Aquien, Laurence Breysse-Chanet, Élisabeth Brunier, Luba Jurgenson, Isabelle Lavergne, Claire Stolz, Florence Trocmé, Daniel Baric, Virginie Bloch-Lainé, Marie-Céline Daniel.

Photo ©Florence Trocmé, à gauche Marc de Launay, à droite Bernard Banoun